ЕЖЕДНЕВНЫЕ НОВОСТИ ИСКУССТВА@ARTINFO

В МИРЕ  В МОСКВЕ В РОССИИ  В ПИТЕРЕ  В ИНТЕРНЕТЕ  ПЕРИОДИКА  ТЕКСТЫ  НАВИГАТОР МАН с ЛЮДМИЛОЙ НОВИКОВОЙ ART_PUZZLE artontheground АРТ ЛОНДОН - РЕПОРТАЖИ ЕЛЕНЫ ЗАЙЦЕВОЙ АРТИКУЛЯЦИЯ С ДМИТРИЕМ БАРАБАНОВЫМ АРТ ФОН С ОКСАНОЙ САРКИСЯН МОЛОЧНИКОВ ИЗ БЕРЛИНА ВЕНСКИЕ ЗАМЕТКИ ЛЕНЫ ЛАПШИНОЙ SUPREMUS - ЦЮРИХ  ОРГАНАЙЗЕР  ВЕЛИКАНОВ ЯРМАРКИ ТЕТЕРИН НЬЮС ФОТОРЕПОРТАЖИ АУДИОРЕПОРТАЖИ УЧЕБА РАБОТА КОЛЛЕГИ АРХИВ

Фонд «Современный город»

ВЫСТАВКИ и ПРОЕКТЫ:

Анатолий Осмоловский принадлежит к художникам, чей путь в искусстве начался очень рано, совсем в юности. Но в отличие от большинства вундеркиндов, Осмоловский и по прошествии лет остается лидером. Даже в контексте российского радикального перформанса первой половины 1990-х годов, насыщенного совсем не детскими амбициями и жесточайшей конкуренцией, этот художник, тогда еще почти мальчик, был в числе первых.  Как известно, радикальные настроения оставили  московскую художественную сцену во второй половине последнего десятилетия века в пользу почти тотального увлечения глянцевыми масс-медиа, но Осмоловский выбрал иные ориентиры. Он сформулировал свою новую идеологию как оппозицию «непристойной медийной зрелищности» и назвал ее нонспектакулярным искусством. Нонспектакулярность получила вид идеологии профессионализма, тесно связанной с параметрами художественного творчества.  Вероятно, на такой поворот к сугубо «цеховой» проблематике повлияло и то обстоятельство, что Анатолий Осмоловский в течение нескольких лет работал с группой молодых художников «Радек», подхватив учительский жезл, оставленный Авдеем Тер-Оганьяном.   Следующий поворот, случившийся в творчестве художника около трех лет назад, является логическим продолжением его предшествующих формальных изысканий. В 2004 году Осмоловский создает серии абстрактных скульптур: «Ногти», «Жуки», «Куски». Здесь художник отказывается от историчности и литературности объектов: однотонная поверхность объектов нейтральна и молчалива. Любая возможность внешних сравнений и интерпретаций гасится с помощью унификации и серийности,  в угоду одному компоненту – форме. Тем самым все внимание концентрируется на проблеме оптической – а шире – интеллектуальной способности различать внешне похожие вещи. Все серийные работы Осмоловского представляют собой как бы устройство для высекания искры осмысленного созерцания, когда благодаря искусству человек открывает для себя свои способности.   В инсталляции «Золотой плод Натали Сарот», которую представляет ныне Фонд Современный Город, Осмоловский ссылается на роман Сарот «Золотые плоды», так как его привлекает своеобразная композиция «романа о  романе». В романе Сарот литературного произведения «Золотые плоды» как такового вообще не существует, это – лишь тема бесконечных обсуждений французского бомонда. Однако в инсталляции Осмоловского условность видеоизображения  уравновешивается материальностью деревянной скульптуры, составляя тандем наподобие лингвистической пары: изображенное – изображаемое. Тем самым ситуация начинает отличаться от описанной в романе: разговоры приносят-таки плоды. Но, с другой стороны, плод оказывается пустым, даже сияющим своей пустотой, «выеденностью».   Автор дает нам видеть лишь конфигурацию и размеры долек, разделенных перегородками, как искривленными спицами колеса.  Это не нигилизм, а лишь перенос акцента со здравого смысла, в котором плод ценен содержанием, на аналитическое суждение, опирающееся на структуру. Это перевод потребительского взгляда в режим бескорыстного рассматривания. Парадоксальность данной работы в том, что здесь идет разрушение механизма  фетишизации внутри самой изобразительной системы фетиша. Плод настоящий и золотой,  только не предназначенный для использования.

<<Фонд "Современный город" представляет новый проект одной из самых перспективных художников России, Ирины Кориной "ТОП   МОДЕЛЬ". Открытие выставки  27.03.2006   в 19-00. Выставка работает с 28.03.2006 по 14.04.2006. C понедельника по пятницу с 11-00 до 18-00, в выходные - по договоренности. ул. Волхонка, дом 6, стр.1, тел. 424-79-16>

Фонд «Современный город» - это новая выставочная площадка на Волхонке, в цокольном этаже дома номер 6, строение 1. Местоположение фонда – в самом сердце изобразительного искусства Москвы, в сосредоточении ее  сакральных мест и языческих капищ – конечно, возлагает на Фонд большую ответственность, требует ясности его программы и цели работы. 
Итак, намерения фонда самые что ни на есть меценатские - помощь художникам в реализации проектов, которые по каким-то причинам не могут быть осуществлены в пространстве галереи. Всем известно, что арт-проекты с большим бюджетом в России не так уж часты, а на крупных представительных выставках российского искусства за границей кураторы предпочитают показывать уже известные произведения. Где же художникам можно реализовать свои некоммерческие и новаторские идеи? За границей таких мест достаточно много – это муниципальные выставочные центры, всевозможные кунстхалле и кунстферайны, государственные центры современного искусства. В культурных столицах мира создаются даже специальные нонпрофитные музеи-мастерские, в которых зрители могут наблюдать за работой художника – как, например, в Palais de Tokyo в Париже. 
В Москве тоже, конечно, есть Государственный центр современного искусства и отдел новейших течений Третьяковской галереи – очень уважаемые организации. Но, как представляется, несмотря на свою активную профессиональную работу по пропаганде современного искусства, их усилий на этом фронте явно недостаточно. Нужны и общественные организации, которые способствовали бы продвижению художественного творчества в России.
Конечно, нельзя не отметить возможность, которая возникла в Москве для молодого поколения в последние годы  представить свои работы на многочисленных "пейзажно-уличных" проектах, как Арт-Клязьма или Стрелка. Здесь даже, как отмечают московские критики, спрос на новые имена и неожиданные идеи часто превышает предложение. 
Мы формулируем свою задачу несколько иначе – сами фактические данные заставляют нас отказаться от жанра проекта в открытом пространстве или сборной выставки. Камерное пространство нашего фонда поощряет, скорее, формат лабораторной работы по осуществлению специальных проектов в масштабе даже меньшем, нежели персональная выставка. 
В течение года здесь будет представлена программа «Урбанистический формализм». Она состоит из серии выставок, объединенных задачей исследования своеобразия современного урбанистического сообщества,  механизмов и структур жизнедеятельности такого мегаполиса, как российская столица. 
Принципиально и то, что в этой программе не будет делаться акцент на совсем молодых и малоизвестных художников  -  им-то как раз в настоящее время  в Москве было уделено достаточно внимания. Мы собираемся показать поколение тех, кто сегодня находится на вершине творческой активности и имеют международную известность – с надеждой, что выставка в нашем Фонде откроет еще одну грань их таланта.
Учредители Фонда «Современный город» – Диляра Аллахвердова и Клер Саворетти
Куратор – Евгения Кикодзе

Группа «Bluesoup» была создана студентами Московского архитектурного института в 1996 году. Долгое время ее творчество оставалось известным лишь узкому кругу друзей и любителей видео, которое в то время еще не получило признания в качестве самодостаточного художественного явления. Собственно, именно «Bluesoup», работающего почти исключительно в области цифровой анимации,  мы обязаны тому, что видеоарт как понятие занял свое место в калейдоскопе жанров современного российского искусства.

Первые пять лет творчества «Bluesoup» демонстрировал свои работы исключительно в рамках медиа- и видеофестивалей, и главным образом за рубежом. В России как новое художественное явление видео  этой группы было показано широкой публике лишь в 2001 году в рамках художественной ярмарки АртМосква. Затем, в 2003-2004  годах популяризацией творчества этих художников занималась галерея Гельмана, показавшая за два года ретроспективу фильмов под названием «Синий Суп – семь лет творчества», а также объекты, которые авторы также именуют «видео»: лайтбоксы  «Без названия» и «Черная река». Результатом этого стало участие «Bluesoup» в 2005 году в самых представительных выставках современного искусства России: Первой московской биеннале современного искусства, выставке «Россия!» в музее Гуггенхейм в Нью-Йорке и «Ангелы истории. Пост-советское искусство. 1985-2005» в Музее современного искусства в Антверпене. 

Творчество этой группы отчетливо разделяется на два этапа: абстрактной и фигуративной анимаций. Остроумие и парадоксальность их, на первый взгляд, самых отвлеченных, геометрических работ – именно в наличие жесткой и необратимой сюжетной логики. В их фильмах всегда что-то «случается»: в  хаотической композиции находится центр («Центр», 1998), в бесконечном перечне символов ставится точка («Конец», 1998 , «Отчет», 1999),  темноту сменяет свет («Просветление», 1998). Такое ощущение, что художники группы, в процессе изучения возможностей языка кино и видео,  создали некий «концентрат фильма», уплотняя сюжет так, что он начинает укладываться в две сцены – начальную и конечную.

Начало работы с 3D анимацией на рубеже веков было сопряжено у «Bluesoup» с переходом к тщательно прорисованным, «реалистическим» фильмам, в которых парадоксальная событийность их предшествующих работ выходит на новый уровень. Тему «просветления», характерную для первого этапа, сменяет мотив смутного, непонятного происшествия, которое провоцирует множество противоречивых прочтений. Предметы и ситуации, хотя и прорисованы так, будто находятся в пространстве с идеальным порядком, тем не менее, ведут себя совершенно не адекватно своей повседневной роли: потолок опускается вниз, словно лифт («Вестибюль», 2002), из вентиляции идет газ («Газ», 2003), ковровая дорожка движется,  словно лента эскалатора («Выход», 2005). 

Реальность, управляемая невидимыми и непонятными законами, становится и темой инсталляции «Эшелон». Новизна данной работы – в том, что здесь  «Bluesoup» отходит от стилистики своих предыдущих коротких фильмов с  парадоксальными сюжетами.  Впрочем, у закольцованной анимации в творчестве группы есть предшественники – их лайтбоксы, созданные по принципу цифрового формата «гиф».

В трех видео из инсталляции кажется, вообще ничего не происходит, что можно было бы пересказать как «событие». Движутся вагоны бесконечного поезда, едут грузовики, летят один за другим тюки из самолетного люка. Впрочем, тюки лежат и в кузовах грузовиков, и в вагонах.  Все они упакованы так, что не создается и намека на то, что могло бы быть внутри, и на вопрос «что это?» авторы отвечают полным молчанием.  Тем не менее, в инсталляции сюжет есть  - это бесконечное движение. И потому с определенной точки зрения эти видео – тоже анализ языка кино, так как фильм, как известно, по-английски называется  «movie», «движение».
В определенном смысле все три проекции в этой работе можно считать люками, в которых зрителю открываются пространства других реальностей. Однако в отличие от созданного на компьютере кино, здесь «остужается» фантазия смотрящего и жестко обозначается граница между виртуальным пространством и зрительным залом. Похоже, отправиться «по ту сторону» возможно только в виде запакованной вещи. 

 

Виктор Алимпиев принадлежит тому поколению российских художников, с чьим творчеством связан новый этап в отечественном художественном процессе последних лет. В работах Алимпиева нет того пристального внимания к масс-медиа, той любви-ненависти к гламуру, которая отметила собой российское искусство рубежа тысячелетий.  Алимпиев – художник пост-цифрового, если можно так выразиться, сознания, для которого компьютерный монтаж изображения – скорее рутина, нежели увлечение и уж тем более никакая не магия. Было бы неправильно считать, что Виктора Алимпиева не интересуют проблемы современного информационного общества, просто в отношение к нему он демонстрирует отношение другого уровня.  Это анализ не конкретной сферы масс-медиа, но шире, технотронности как таковой, когда интеллектуальные технологии заменяет собой способы мышления, основанные на интуиции и эмоциональности.  

Виктор Алимпиев родился в Москве в 1973 году. Выпускник Московского Художественного Училища памяти 1905 года. Прослушал курс «Новые художественные стратегии» Института современного искусства. В рамках этого курса в 1997 году им была создана и первая видеоработа – «Несколько подарков Олегу», удивительную зрелость которой нельзя не отметить. В последующие годы это ощущение мастерства только усиливалось от работы к работе:  «Я бросаю землю» (в соавторстве с С. Вишневским, 1999), «Абоненты» (в соавторстве с О. Столповской, 2000, Второй приз Медиа Форума при МКФ в Москве), «Я дарю тебе цветы» (в соавторстве с С. Вишневским, 2002), «Олень» (в соавторстве с С. Вишневским, 2002), «Ода» (в соавторстве с М. Жуниным, 2002), «Рок-музыка» (в соавторстве с С. Вишневским, 2003, специальный приз конкурса «Шорт шок» на кинофестивале «Киношок», Россия), «Зарницы» (2004), «Соловушка» (2005). За последние пять лет видео Виктора Алимпиева было показано на самых престижных мировых выставках и фестивалях: он дважды участвовал на Венецианском биеннале, четыре раза – на Фестивале Короткого фильма в Оберхаузене, а также на «Манифеста 5» в Сан-Себастьяне, на групповых проектах «Body display» в Венском Сецессионе (2004), «Horizon of reality» в MUKHA (Антверпен, 2003), «7 sins» в Moderna Galerija (Любляна, 2004). И только что его работы демонстрировались на выставке «Россия!» в музее Гуггенхайм в Нью-Йорке.  

Живопись Виктора Алимпиева, благодаря необычайному успеху его видео, оказалась несколько в тени. Однако две персональные выставки в галерее Гельмана в Москве в 2003 и в 2004 году доказали, что этот аспект творчества художника обещает стать ничуть не менее интригующим и эффектным. Любопытно то, что при переходе от жанра видео к жанру живописи у автора заметно меняется художественный язык. Если в своих видео Алимпиев основывается на простых повседневных сюжетах, которые он искусным образом «форматирует», придавая им своеобразные отстраненность, медитативность, завороженность, то живопись его на первый взгляд кажется совершенно абстрактной. Однако при внимательном рассмотрении становится понятно, что эта абстракция имеет какие-то свои специфические истоки, является отзвуком «Битвы вдали» (так называлась одна из живописных серий). Битва произошла, была зафиксирована, оцифрована, увеличена до мельчайших подробностей – и вот один из элементов, например, фрагмент брошенного знамени, уже совершенно неузнаваемый, попадает на холст. Живописная поверхность являет нам, таким образом, ту материю, которую глаз «живьем» видеть не может, это – окно в сверхчеловеческий, высокотехнологический мир.  

Инсталляция «Сияние», которую показывает сегодня наш Фонд, соединяет в себе оба авторских подхода. Это и видеоанимация, и пластика – так как специально для проекта устроителями по заказу художника был сделан белый блестящий пол из плиток. Кажется, автором сделано все, для того, чтобы максимально «заморозить» работу, придав ей ощущение стерильности и «искусственности» в широком смысле этого слова. И в то же время эта «потусторонность» лукаво напоминает нам о световых бликах на темной воде, о «лицах» луны, которые мы так часто разглядываем в ночи… По правде сказать, пейзаж, выстроенный Алимпиевым, ничуть не более условен, чем какая-нибудь «Ночь на Днепре» Куинджи, и автор заставляет нас признаться себе в этом, заставляет подумать о том, что мы выбираем, что желаем считать «реальностью». 

---

<<Антон Литвин "Cover". Фонд "Современный город". Открытие выставки 12 октября в 18-00 (для прессы, 13 октября в 18-00 (для художников). Выставка работает с 14 .10. по 10 .11.2005 с понедельника по пятницу с 11-00 до 18-00, в выходные - по договоренности. ул. Волхонка, дом 6, стр.1, тел. 938-60-16.

АНТОН ЛИТВИН. COVER.  Несмотря на относительную молодость, Антон Литвин – художник с большой творческой биографией. Его работы были показаны практически на всех важнейших выставках последних трех лет, представляющих современное российское искусство: на Манифесте во Франкфурте и выставке «Давай!» в Берлине и Вене (2002), Первой пражской биеннале (2003), «O.K. America!» в Нью-Йорке (2004), Венецианской биеннале (павильон России) (2005 )- в последних двух в составе группы Escape.   В то же время, если окинуть взглядом всю его творческую деятельность, начиная с 1990 года, когда юный выпускник благополучного финансового института почему-то становится активным членом так называемого московского радикального искусства, становится видно, что успех последних лет вполне закономерен. Литвин, так или иначе, всегда находился в центре художественного процесса, его творчество можно сравнить со спицей, на которую нанизывались различные арт-сообщества, от «группы без названия» в начале 1990-х до сегодняшнего «Эскейпа».   Тем не менее, кажется все же очень важным представить Антона Литвина как отдельную творческую единицу, персонального автора, чей взгляд и методы работы заслуживают самого пристального внимания. У этого автора – несомненный дар предвидения художественных идей, которые после приносят славу другим художникам. Он первым выставил скульптуру снеговика – но не зимой в деревенской пейзаже, а в сентябре, в центре Москвы, напротив Моссовета. В его творчестве впервые появились муляжи человека - но не звезд тенниса, а обывателей, занятых повседневными делами. Его акция «Давай в Москву!» подарила название выставке российского искусства в Берлине и Вене.   Материалом инсталляции «Cover» является такой обыкновенный и такой незнакомый, с точки зрения пластического искусства, материал. Абразивная бумага, или, в просторечии «шкурка», служит для полировки других поверхностей, после чего ее выкидывают. Литвин дарит «шкурке» другую, «вечную» жизнь, а вместе с тем заставляет и нас по-другому взглянуть на нее. С одной стороны, это – вещь, шершавая поверхность которой напоминает фактурную штукатурку или ковровое покрытие. С другой стороны, это – бумага, то есть традиционный материал изобразительного искусства. Именно в этих двух качествах «шкурка» предстает в инсталляции «Cover»: то она еще в буквальном смысле ковровая дорожка, реальный материал, то – уже ее изображение, символ. И вместе с тем радикально меняется и само пространство: вот это еще привычный трехмерный выставочный  зал, а вот уже зависающий где-то вверху «иной мир», к которому ведет нарисованная лестница. Метафизика, которая вдруг, неожиданно и остро, заявляет о себе в контексте повседневной жизни  - в целом, конечно, очень русская тема, свойственная нашей национальной культуре от Льва Толстого до Ильи Кабакова. И замечательно, что в нынешнюю сверхпрагматическую эпоху Литвин вновь возвращает ей актуальность  - причем так просто и остроумно.

---

e-mail: Пластинин Юрий