<<7 июля исполняется 80 лет со дня рождения Гелия Михайловича Коржева, одного из крупнейших мастеров современного изобразительного искусства. 
На протяжении долгих лет художник ведет напряженную работу, его искусство окрашено четко выраженным гражданским звучанием, оно соединило в себе драматизм и философские обобщения, строгость и эмоциональность.
В созданных им образах воплотились судьбы страны и конкретных людей. Полотна «Поднимающий знамя», «Интернационал», «Гомер» - это история Отечества, прошедшего через горнила революций, первой мировой и гражданской войн. Эти произведения стали классикой современного искусства. Г.М. Коржеву в высокой степени присущи бескомпромиссность, чувство ответственности за происходящее, любовь и сострадание к людям. Значительным творческим достижением стали картины «Художник», «Уличный певец», «Обреченная», «Влюбленные».
Масштабность замысла объединяет серию полотен «Опаленные огнем войны»: «Проводы», «Мать», «Заслон», «Старые раны» и картина, написанная много лет спустя - «Облака 1945 года». Они посвящены достоинству и духовной стойкости народа, великому долготерпению простых людей.
Г.М. Коржев - человек широчайшей эрудиции, обладающий фундаментальными знаниями в области мировой культуры. Это особенно проявилось в работе над серией произведений о Дон Кихоте. Добро, отважно вступившее в единоборство со злом, высокая мечта о прекрасном, разбивающаяся в прах, и несмотря ни на какие препятствия - неколебимая вера благородного героя в истину и справедливость - таковы убедительно трактованные пластические образы картин художника.
Творчество Гелия Коржева имеет не только национальное значение, оно предупреждает все человечество об опасности — морально-нравственном уродстве, переходящем в экологическую катастрофу, нависшую над всеми людьми планеты. Его живописный цикл «Мутанты», полный беспощадного сарказма и иронии, боли и протеста против глупости, преступлений, насилия, заполнивших нашу Землю, глубоко потрясает зрителей.
Важное место в искусстве живописца занимают натюрморты, они отмечены выдающимся мастерством. Традиционное безмолвие
жанра здесь нарушается «говорящими» вещами. Благодаря четким композиционным построениям, приглушенному благородному колориту, часто увеличенному масштабу, обычные предметы исполнены значительности, достоинства и величия.
Произведения Г.М. Коржева собраны в крупнейших музеях России, среди них Государственная Третьяковская галерея и Государственный Русский музей. Картины мастера экспонировались на многочисленных отечественных и зарубежных выставках, представлены во многих российских и иностранных собраниях. Так, произведения, показанные в Тайбее летом 1994 года, входят в основу экспозиции Музея русского искусства. Его произведения, показанные на грандиозных международных выставках последних лет, таких как «Москва – Берлин» и «Москва – Варшава» зазвучали с новой силой и имели ошеломляющий успех.
Российская Академия художеств>

С 30 апреля 2005 года в галерее  «АРТСтрелка projects» т. 8 910 405 24 28 

ЕЛЕНА КИТАЕВА -ЭЛЕКТРОМЕХАНИЧЕСКИЙ БАЛЕТ.

Елена Китаева  – один из самых известных российских дизайнеров, лауреат премии «ТЕФФИ», призер итальянского конкурса на оформление телеэфира, член Академии Российского телевидения. Но при этом Елена Китаева еще и художник, прославившийся в 90-ые годы своими проектами «Новая колода», «Девушка и смерть»,  и, особенно, совместным проектом с Леонидом Парфеновым «Новые деньги». 
В искусстве, как и в дизайне,  для Китаевой  чрезвычайно важна чистота формы. «Я исповедую формализм в чистом виде. Для меня главное форма, а не содержание. Потому что некие смыслы, тезисы, которые ты хочешь донести, формируются где-то глубоко, на подсознательном уровне. Нет нужды их проговаривать. Они просто не словообликаемы». Это высказывание Елены Китаевой чрезвычайно близко словам Фернана Леже «Ошибкой в живописи является сюжет. Ошибка кино – сценарий». И это не случайно. Из всех художественных направлений Китаева больше всего любит футуризм - Джиакомо Балла, Умберто Боччиони   и,  особенно, Фортунато Деперро и Оскара Шлеммера. Футуристы с их  любовью к движению,  скрежету металла, неодушевленным механическим предметам,   вдохновили Китаеву на создание нового проекта  -   «Электромеханический балет».  В двух экспозиционных залах,   сами по себе и для себя,  крутятся огромные черные и белые двухметровые деревянные балерины. Их вращают моторы со страшным скрежещущим звуком,  и это сразу отсылает зрителя  к экспериментальным фильмом Фернана Леже «Ballet mecanique» (1924 г.) и Марселя Дюшана «Анемик синема» (1925 г.), что особенно заметно в предпроектном эскизе  выставки – оживленных анимацией геометрических фигурах. 
Стильный по цвету и форме, жесткий по дизайну и звуковому сопровождению проект «Китаевой   отличается от всего того, что происходит сегодня в российском современном искусстве. «Электромеханический балет» - это ода движению. Как таковому, Как самоцели.  В нем есть креативность дизайна с его технологиями и новыми возможностями, и, одновременно,  искренняя любовь к искусству, которое до сих пор является неистощимым источником многих дизайнерских и рекламных находок.  Находясь на перекрестке двух миров – искусства и дизайна, зная законы обоих  миров, Китаева профессионально переводит эти знания в свой новый проект. Она создает «пространство, очищенное от деталей, нереальную реальность, где есть атмосфера чистоты и пустоты». Для дизайнера и художника Китаевой именно такое пространство является новым пространством культуры, раем, не захламленным избыточной визуальностью.  И если зрителю, что-то покажется непонятным, просто смотрите и слушайте, не всегда все в этом мире  надо объяснять словами.

«Гипноз» 

«Знаки это война».

Маннергейм  

Все мы живем под гипнозом знаков (начиная от «высоких» знаков религий и идеологий – крест, полумесяц, звезда, свастика, серп и молот, мандала «инь-ян» – и кончая денежными знаками, товарными знаками, дорожными знаками, знаками, предупреждающими об опасности, наконец, буквами – и так далее, вплоть до микроскопической бесконечности). Та энергия, которая позволяет знаку держать нас в загипнотизированном состоянии, проистекает из двух источников. Один источник – это функционирование знака в поле его прочтения (то есть «настоящее» знака). Второй источник – история знака, его таинственное прошлое, включающее в себя наиболее загадочный момент – превращение в знак того, что раньше было не-знаком. Процесс эрекции – превращение пениса (не-знака) в фаллос (универсальное «фаллическое означающее») представляет собой одну из наиболее гипнотических «пропусков», «слепых пятен» нашей культуры. Созерцание этого «несозерцаемого», символически «невидимого» процесса (который, как правило, оказывается за кадром даже в самых жестких порнофильмах, претендующих на то, чтобы «показать все»), составляет содержание фильма «Гипноз», снятого мною год назад.

Фильм «Гипноз» состоит из шести эпизодов с одинаковым содержанием. В каждом из них девушка смотрит на мужской член и под ее взглядом член встает. Никакого телесного контакта между ними не происходит, все ограничивается взглядом, который также не имеет ярко-выраженного эротического привкуса. Несмотря на ясность и минимализм происходящего, фильм содержит в себе серию вопросов.

Первый вопрос: кто (девушка или член) является объектом, а кто субъектом гипноза? То ли девушка своим взглядом гипнотизирует член, заставляя его встать (вспоминается факир с дудочкой, выманивающий змею из мешка), то ли она сама оказывается загипнотизированной процессом эрекции. Каждый эпизод из шести по-разному отвечает на этот вопрос.

Мы видим те конвульсии, которые сопутствуют перерождению «не-знака» в «знак», и ритм этих конвульсий, иногда напоминающий танец, сам по себе (как кажется) передает некую информацию – происходит визуализация (или попытка визуализации) «тайного текста» нашей культуры, в которой знак и конфликт связаны нерасторжимыми узами. Член кажется лицом нечеловеческого существа, он есть Чужой, Alien, вступивший в диалог с эпицентром человечности, иконой гуманистической культуры – с прекрасным девичьим лицом. Каждое из этих шести лиц отсылает к различным канонам красоты (Ренессанс, античность, 30-е годы, Fashion TV и т.д.) в то время, как член в промежуточном состоянии между пенисом и фаллосом не отсылает ни к чему, кроме смутных ассоциаций из области природоведения, архаической мифологии или научной фантастики (жизнь птиц, гусениц, Ева и Змей, Чужой, инопланетяне и т.п.). Этот диалог двух профилей выглядит каждый раз по-другому – то это похоже на флирт или процедуру соблазна, то на допрос, то на медитацию, то на научное исследование, то на осторожный светский разговор.

Таков фильм. Рисунки, сопровождающие показ этого фильма в пространстве данной выставки, демонстрируют внешнюю сторону той тайны, о которой сообщает данный фильм – классическое созерцание знаков, в которых их изначальный «не-знак» уже давно скрыт и спрятан совокупными усилиями различных культур, идеологий и традиций. 

П.Пепперштейн

Москва 2004

Петербургский фестиваль фотографии - Осенний ФотоМарафон - 2004 - «Параллели»
ПРОГРАММА>

октябрь-ноябрь
Санкт-Петербург – Москва
Седьмой по счету ФотоМарафон пройдет в октябре-ноябре 2004 года в Санкт-Петербурге и будет продолжен в Москве. Основная идея Фестиваля – организация выставок таким образом, чтобы задействовать город как социальное пространство, вовлечь максимальное количества участников и зрителей. Поэтому выставочными площадками Фестиваля становятся не только музеи, галереи, выставочные залы, но и кафе, библиотеки, клубы, пешеходные зоны – любые пространства, где возможен контакт публики с произведением искусства. Семь лет целенаправленной работы сделали свое дело. Ведущие музеи города так же осознали переспективу и приурачивают свои фотографические выставки к октябрю – ноябрю, к традиционному вермени проведения «Осеннего фотомарафона». Поэтому в этом году среди выставочных площадок фестиваля – Русский музей и Эрмитаж, популярные кофейни и Малый драматический театр – Театр Европы, галереи и кинотеатры…
Традиционно, исходя из требований актуальности и единства фотографического высказывания, фестиваль строится вокруг одной, каждый раз новой темы, задающей концептуальные и метафорические рамки как для кураторов выставок, так и для фотографов. Темой, метафорой основных выставок фестиваля 2004 года будут – «Параллели».
ФотоМарафон – фестиваль европейского уровня, которым может гордиться Культурная столица России. На протяжении нескольких лет ФотоМарафон способствует выработке взвешенной выставочной политики в отношении фотографии как одного из популярных и востребованных самым широким зрителем видов искусства, демонстрирует фотографию в широком диапазоне: от исторического документа до современного искусства.
То, что каждый фестиваль подчинен определенной теме или концепции, – позволяет каждый раз предлагать уникальное зрелище – основные выставки формируются на основании новых стратегий, признанные мастера и молодые фотографы имеют возможность на равных принять участие в формировании новой художественной реальности.
Фестиваль этого года отличает так же:
- большая доля музейных выставок использующих фотографию: "Павел I" в Русском музее, «Поэма без героя» в музее А.А. Ахматовой, «Роберт Мэпплторп и гравюры северного маньеризма» в Эрмитаже.
- увеличится количество выставок, проводимых в местах сильного коммуникативного напряжения, активной социальной жизни – в клубах и кафе.
- на новый уровень поднимется и виртуальная часть ФотоМарафона – часть выставок будет представлена электронными проектами на сайте Фестиваля, кроме того, в рамках Марафона пройдет первый в истории России фестиваль «Каррент фото», который объединит фотографов – пользователей легендарного «LiveJournal».
«Параллели»
Никогда не сходящиеся параллели геометрии Эвклида и все же сходящиеся в бесконечности параллели геометрии Лобачевского… Читать фотографию можно, живя по законам бытовым, можно – находясь одновременно в нескольких точках, принадлежащих разным системам координат. За каждой фотографией скрывается повествование, рассказ,  но любое фото-изображение может оказаться лишь первой страницей романа, образ которого складывается из взаимодействия рядом положенных изобразительных текстов.
Неизбежная в этом виде искусства апелляция к «реальности» сохраняет, однако, авторскую позицию и субъективность, неоднозначность, которая, как в поэзии, заполняется личным опытом каждого зрителя. Эти «субъективности» оказываются особенно плодотворными, когда нам предъявлены изображения, способные во взаимодействии порождать нечто «третье», – как разные мелодии, сложенные по законам полифонии, создают образ, ни с одной из составляющих как будто не связанный.
Неожиданные параллели обнаруженные в работах разных, даже незнакомых между собой авторов – не важно, на родственности или контрастности они основаны, –действуют как вспышка или увеличение (Blow Up), равносильны применению новой оптики, изменению освещения, направленного на предмет или лицо, оставшиеся в далеком прошлом. Потому и «римейк» в фотографии – особый жанр – он не только и не столько знак канонизации «оригинала», сколько попытка его нового «освещения», до- или пере-проявки.
Нельзя забывать что даже для автора фотография остается тайной. Он просто не успевает уследить и проконтролировать мир, врывающийся в кадр, и только зрителю или другому мастеру длительное разглядывание или попытки повторения позволяют открывать все новые и новые истории в одном и том же снимке.
Организаторы фестиваля:
Культурный Центр "Пушкинская 10
Галерея "Фотоimage
Состав организационного совета фестиваля:
Арт-директор фестиваля: Дмитрий Пиликин 
Организационный и кураторский совет фестиваля: Андрей Чежин, Игорь   Лебедев, Валерий Вальран, Александр Китаев, Андрей Кудряшов.
Пресс-служба фестиваля - Надя Шерье. photomaraphon@mail.ru 
Информационный сайт ФотоМарафона: www.arteria.ru/photomarathon 

Краткая история фестиваля (выдержки из интервью с арт-директорм фестиваля Дмитрием Пиликиным для журнала «Time Out»:
«Петербург известен как «магический» и «придуманный» город, и в этом смысле, фотография и фотографический фестиваль очень точно вписываются в его виртуальную конструкцию. Фотомарафон проводится уже несколько лет подряд, и зрители уже привыкли к его регулярности. По крайней мере, каждую осень  фестиваль ждут, Звонят журналисты, интересуются его актуальной темой и расписанием. А это свидетельство доверия и определенного публичного статуса. В свое время фестиваль сделал ставку на демонстрацию фотографии в самом широком диапазоне от традиционной черно-белой до цветной, электронной и даже проекционной. Это было необходимо, чтобы снять определенные поколенческие шоры и представить фотографию во всей ее совокупности, прежде всего как явление и актуальный медиум. В большей мере нам была интересна не качественная жанровая «фотка», а рефлексия постоянно меняющегося  языка фотографии. В то же время мы не делаем различий между известными мастерами и неофитами, фестиваль открыт для предложений. Главное при отборе - внятно артикулированная идея, энергия и  качество высказывания. Как и было заявлено в начале, фестиваль каждый года менялся, выбирая новую концептуальную тему или новую стратегию. В 2000 году мы исследовали форму мега-фестиваля, который занял более 30 выставочных залов и галерей и вместил более 50 выставок. В 2001 году посвятили фестиваль первому году нового века сделав 11 концептуальных проектов с метафорой-числительным «первый». В 2001 году, накануне юбилейной истерики фестиваль был посвящен теме «Другой город». Другой город в самом широком смысле. Например, совместно с Институтом «Альянс Францез» мы сделали в галерее «Митьки» очень веселый проект «Без Парижа» (фото Вадима Егоровского и Александра Флоренского, сделанные во французской провинции). В 2002 году мы сотрудничали с Институтом Гете в СПБ и провели фестваль «Берлинская осень в Петербурге», где Берлин и Германия были представлены в работах как немецких, так и русских мастеров фотографии. В 2003 этом - тема «кино», как некая повествовательная история, которая возникает при просмотре нескольких фото. Сообщение здесь было заключено не в одной фотографии (которую, безусловно, тоже интересно рассматривать), а как бы между ними, в процессе просмотра».

Краткое резюме организационного  совета фестиваля:
Дмитрий Пиликин - арт-директор фестиваля.
Художник, куратор, художественный критик. Куратор медиа-галереи "21"(1995 – 2000), один из основателей галереи "Фотоimage" (1996), куратор фотографического раздела IV Петербургской биеннале современного искусства (1996), куратор видеофестиваля "Balkan answer" (видеоарт Югославии) (1998),  арт-директор ежегодного фестиваля Петербургский Осенний ФотоМарафон (c 2000 года). Ведущий художник семинара (совместно с Д. Гутовым и В. Мизиным) для сотрудников музеев «Музейный квартал» (проект института «Открытое общество»), Красноярск. 2000.  Куратор русско-немецкого семинара и совместной выставки студентов Гамбургской Академии Искусств и молодых русских художников - "Next.Files.exe" (Петербург – Гамбург, 2001). Куратор проекта "У Истоков Мира (посвящение Г. Курбэ). Галерея «Д-137», СПб, 2001.  Куратор русско-английского художественного проекта по освоению исторических индустриальных построек средствами искусства - «Emplasments" (Петербург – Манчестер, 2002-2003). Куратор выставки русского искусства  “Estestvo – The Second Nature”. Lonnstrom Art Museum. Финляндия (2002). Куратор выставки молодых художников «Лаборатория счастья» (совместно с Е. Деготь), Институт Про Арте, СПб. 2003. Автор первого петербургского арт проекта в сети Интернет (1995) (http://www.v2/nl/east/witnesses). Соавтор и редактор мультимедийных CD-rom проектов современного петербургского искусства: «Россия – родина слонов», 1996; «От неоакадемизма к киберфеминизму», 2000, «Современная петербургская фотография». 2001. Автор концепции и редактор «St.Petersburg cultural navigator» (http://www.2000.hel.fi/st.petersburg). Публикации в «Художественом журнале» (Москва); Imago: Another European Photography (Bratislava); «Максимка» (СПб); в сборнике статей  “Видимость незримого“ (СПб, Borey print, 1996) и др.  
Андрей Чежин.
Известный петербургский фотограф. Член Союза Фотохудожников России (1995), IFA (1998). Автор более 30 персональных и 80 групповых выставок в России и за рубежом. Организатор и куратор целого ряда выставок и выставочных проектов. Один из создателей фотоколлекции современной петербургской фотографии Музея нонконформисткого искусства (1995-2002). Автор серии фотоальбомов («Пространство Постмодернизма». Москва (1998); «Быль и миф Невы». Изд-во Ивана Лимбаха. СПб. (1999)). Произведения находятся в Российских и зарубежных государственных и частных собраниях. В настоящее время  free-lance photographer. Живет и работает в Санкт-Петербурге.
Александр Китаев.
Известный петербургский фотограф. Автор 40 персональных и участник более 70 групповых выставок в России и за рубежом. Член Союза Фотохудожников России (1992). Член Союза Художников России (1994). Организатор и куратор целого ряда выставок и выставочных проектов. Арт-директор издательства «Арт-тема». Автор серии альбомов («Город знакомый до слез». Лимбус-Пресс, СПб (1994); Мариинский театр. Звезды балета (Календарь), СПб (1998); «Невольная линия ландшафта»). СПб (2000); «Still-light СПб (2000); «Aфон: Благословение». СПб (2000); «Берлин и Санкт Петербург в фотографиях Александра Китаева» (Календарь), СПБ (2001). Произведения находятся в Российских и зарубежных государственных и частных собраниях. В настоящее время  free-lance photographer. Живет и работает в Санкт-Петербурге.
Игорь Лебедев.
Известный петербургский фотограф, преподователь фотографии (с 1992 года). Преподает фотографию в СПбГУ, Бард Колледже. В 1994 году организовал собственную фотостудию «Ф.K.» для обучения детей фотографии в Доме Детского Творчества Петроградского района. Один из создателей фотоколлекции современной петербургской фотографии Музея нонконформисткого искусства (1995-2002). С 1995 года принимает активное участие в выставках в России и за рубежом. Член Союза Фотохудожников России (1996). Организатор и куратор серии выставок и выставочных проектов, в том числе городских выставок детской и юношеской фотографии. Живет и работает в Санкт-Петербурге.
Андрей Кудряшов.
Петербургский, московский искусствовед, куратор, журналист.
Завлит Формального тетра Андрея Могучего, (до 1999 г.), редактор отдела культуры газеты «На дне» (до 2002 г.), автор ряда проектов в области СМИ (бумажных, телевизионных, интернет), куратор проектов в области фотографии, кино и видео-арта. Публикации в научных сборниках, петербургских и московских газетах и российских специализированных художественных изданиях. В настоящее время –  директор «Кинообсерватории» (СПб), главный редактор и продюсер журнала «Кинообсерватория», консультант Кинообьединения «Синефантом» (Москва),  Галереи современной фотографии «Рефлекс» (Москва) и Техно-Арт-Центра (СПб), специальный корреспондент Агентства культурной информации «Артерия». Живет и работает в Москве и Санкт-Петербурге.  

ПРОГРАММА:

9 сентября

Евгений Мо хорев Antique-hotel “Kasanskaya, 5” Казанская, 5, 3 этаж до 30 октября, ежедневно 

15 сентября 

Евгений Мохорев Дмитрий Яковлев Елена Пальм Куратор Анна Загорская Кафе-фотогалерея «Blow Up» кан. Грибоедова, 22 до 15 октября, с 11.00 до 1.00, пн-вс

«Драгоценности», Ксения Никольская (русские иконы, внимание к деталям и фрагментам) Галерея Дмитрия Семенова Лиговский пр., 63/19 до 16 октября, вт, чт, сб с 12.00 – 20.00 по предварительной договоренности (тел.164 53 23)

21 Сентября

«Параллельные миры. Фрагменты». Андрей Жуков (парадоксы изменчивых ракурсов, цветное фото) галерея «Борей», Мраморный зал  Литейный пр. 58 до 9 октября, ежедневно с 12.00 до 20.00 кроме вс. и пн.

22 сентября

«Идентификация», Сергей Свешников (герои и лица озерково-шуваловского прайда) Клуб «Платформа», Некрасова, 40 открытие в 20.00, до 30 сентября, ежедневно  

25 сентября

Проект “Noise and Silence” – Танец и фотография. «Iguan Dance» (Россия) и «Gravity» (Австрия) (modern dance проект Нины Гастевой и Михаила Иванова в танце и фото) Галерея «КИНО-ФОТ-703» Арт Центр «Пушкинская 10», Лиговский, 53

до 10 октября, с 15.00 до 19.00 кроме пн и вт

30 сентября

«Нимфы света и тени», Дмитрий Андреев (нимфы, затерянные в лабиринтах света и теней Петербурга, цианотипия) куратор Надя Шерье  Кафе-клуб «Zoom» Гороховая, 22 открытие в 19.00,  до 14 октября, ежедневно

1 октября

«Среда выживания» Андрей Сазонов/объекты, Владимир Пешков/фотография Новый Выставочный зал Музея городской скульптуры, Невский пр., 179/2а открытие в 16.30, до 21 октября, с 11.00 до 17.00, выходные: чт, пт  

«Путешествие I»,  Дмитрий Конрадт (выставка одного путешествия с продолжением, часть I) Книжный магазин Anglia наб. реки Фонтанки, 38 открытие в 19.30, до 15 октября, ежедневно

2 октября

«Параллельные миры фотографов» (название говорит само за себя) Алина Шугля Виктор Морозов Александр Филиппов Екатерина Шелганова Александр Никипорец куратор Артур Ионаускас Кофейня Black&White В.О. 6-я линия, дом 25 открытие в 16.00, до 1 ноября, ежедневно 

5 октября

 «Всякое дыхание…». Георгий Колосов  (ретроспектива  мастера пикториальной фотографии,1980-2004) Музей Истории города, Петропавловская крепость, Невская куртина открытие в 16.00, до 5 ноября, ежедневно с 11 до 17  

Владислав Мамышев – Монро. Ретроспектива  (един во многих лицах: Достоевский, Монро, Бен-Ладен и др., фотография, видео) галерея Д137 (СПб) и XL галерея (Москва) Невский пр., 90-92 открытие в 18.00, до 15 ноября, ежедневно с 12.00 до 19.00., кроме вс и пн  

6 октября

«Путешествие II» , Дмитрий Конрадт (выставка одного путешествия с продолжением, часть II) Библиотека Факультета Журналистики В.О., 1-ая линия 26 открытие в 17.00, до 6 ноября, ежедневно с 10 до 18  кроме вс

7 октября

«Параллель 60». Олег Артюшков  (параллели одного сюжета в живописи и фотографии) Куратор Маня Алексеева Галерея «Сельская Жизнь» Новосельковская ул. д.16 (Коломяги), проезд: М.Удельная, А 40 до кольца. м. Пионерская, маршрутка 55 до угла Земского пер. и ул.Щербакова. открытие в 18.00  (а также 9 и 16 октября с 18 до 20 )

9 октября

«Битломания» (Pаul, Паша на Дворцовой, секретные снимки, Back in USSR!) куратор Дмитрий Горячев Творческий центр «Митьки-Вхутемас» ул. Правды 16-20 (код 180) открытие в 16.00, до 30 октября, открыт для публики по субботам с 16.00 до 20.00 

Мария Снигиревская и Александр Соколов. Фотография Творческий центр «Митьки-Вхутемас» ул. Правды 16-20 (код 180) открытие в 16.00, до 30 октября, открыт для публики по субботам с 16.00 до 20.00 

Официальное открытие Петербургского Осеннего Фотомарафона 9 октября в 17.00 в Музее Нонконформистского искусства  Арт Центр «Пушкинская, 10», флигель D, Лиговский, 53 

Фотопроект «Параллели» Сергей Головач, Игорь Култышкин, Александр Орлов (Москва) Александр Величко, Сергей Шитов, Константин Водяницкий, Андрей Жуков, Группа «Союз Песка и Совка», Сергей Морозов, Андрей Чежин, Евгения Коновалова (СПб), Алексей Варсопко, Алексей Зеленский. (неожиданные параллели, сходящиеся в работах разных авторов). Куратор Андрей Чежин. Музей Нонконформистского искусства, флигель D, 2 этаж. Арт Центр «Пушкинская, 10», Лиговский, 53. открытие в 17.00, до 1 ноября, ежедневно с 15.00 до 19.00 кроме пн и вт

«Многие преграды уже пали, но кое-какие еще существуют» (метаморфозы журнальной фотографии) Андрей Хлобыстин & Дмитрий Пиликин Кураторы Андрей Хлобыстин & Дмитрий Пиликин Петербургский Архив и Библиотека Независимого Искусства  Арт Центр «Пушкинская, 10», Лиговский, 53 открытие в 17.30, до 31 октября, по чт. и суб. с 15.00 до 18.00 кроме пн и вт  

«Flashback». Проект Дмитрия Шубина (антигероиновый проект, психоделические цвета и измененное сознание узнаваемых петербургских мест) Куратор Дмитрий Пиликин Галерея “Navicula artis” Арт Центр «Пушкинская, 10», Лиговский, 53 открытие в 18.00, до 17 октября, ежедневно с 15.00 до 19.00 кроме пн и вт

«22 соответствия», Илья Архипенко (черно-белый концептуальный проект, диалоги фото-пар) куратор Андрей Чежин галерея ФотоImage Арт Центр «Пушкинская, 10», Лиговский, 53  открытие в 16.00, до 24 октября, по субботам с 16.00 до 19.00  

10 октября

«Параллели балтийской волны» Однодневная выставка-акция  (слайды в казематах, фото на воздухе, свежий балтийский ветер, немного истории) Фотостудия «KLIP», галерея «Фотоimage», Государственный Центр Современного Искусства (СПб), фотографы Петербурга Кураторы Людмила Григорьева, Наталья Захарова, Андрей Чежин, Дмитрий Пиликин Кронштадский форт (организованный выезд) Начало в 14.00 до 18.00                

Проект «SOMATIP». Елена Суховеева и Виктор Хмель (Краснодар) (ожившие барельефы Кама Сутры и засыпанные пеплом жители Помпеи в актуальном фото проекте) Музей Сновидений Зигмунда Фрейда (В здании Восточно-Европейского Института Психоанализа) Большой проспект Петроградской стороны, 18А открытие в 17.00, до 1 ноября, по вт. и вс. с 12 до 17 

12 октября

«РАФ», фотограф Рафаэль Мангутов (харизматическая личность петербургской фотографии 1980-90х годов) кураторы Игорь Лебедев, Андрей Чежин, Дмитрий Пиликин Выставка - презентация малотиражного фотоальбома из серии изданий галереи «ФотоImage» (при поддержке музея Нонконформистского Искусства) Галерея Борей, Мраморный зал Литейный, 58 открытие в 17.00, до 23 октября, ежедневно с 12.00 до 20.00 кроме вс. и пн. 

«Мастерская художника», Максим Исаев (АХЕ) (портрет художника в интерьере) Заведение  Амоr Fati Литейный пр., 64 (угол Литейного и Невского)  открытие в 21.00, до 12 ноября, ежедневно днем, вечером, ночью

13 октября

Короткометражные фильмы студентов немецкой киношколы (исследование фото, кино и видеоизображения) Куратор Антон Соловейчик Галерея Экспериментального Звука (ГЭЗ-21) «Пушкинская, 10», Лиговский, 53                  начало в 20.00  

14 октября

«No Comment», Аля Есипович (стильные модели для эстетов и гурманов) Русский музей, Мраморный дворец Миллионная, 5/1 открытие в 16.00, до 14 ноября, с 10.00 до 18.00, ср-вс  

15 октября 

«Другой угол». Людмила Чежина (города мира, коллекция субъективных впечатлений) Книжный магазин Anglia куратор Андрей Чежин наб. реки Фонтанки, 38 открытие в 19.30, до 30 октября, ежедневно

«Одиночество цвета». Петр Еропкин (цвет и одиночество в Венеции) куратор Надя Шерье Кафе-клуб «Zoom» Гороховая, 22 открытие в 18.00, до 30 октября, ежедневно  

Вячеслав Баранов. "Чуланчик" (Ретроспектива). (маэстро ч/б фотографии в своих лучших работах) Выставочный зал IFA Невский проспект, дом 60, правый флигель открытие в 17.30, до 29 октября,  вт-сб  с 15-00 до 19-00.

«В церковной ограде» Людмила Иванова (православная фотография) ДК им. Газа, концертный зал. Пр. Стачек, 17, тел. для справок: 184-35-87 до 15 ноября

16 октября

Мария Кулак, Инна Позина (от фото до фотообъекта в инсталляции сада скульптур) Кино-Сарай (в саду скульптуры Сморгон – Позиных) Вербная ул. 20 (М. Удельная) открытие в 16.00, до 31 октября, по договоренности (тел. 304 40 44)

18 октября

«Homage to…” Людмила Григорьева, Андрей Жуков, Леонид Борисов, Людмила Чежина, Андрей Чежин (фотографические посвящения великим кинорежиссерам) куратор Андрей Чежин Кафе-фотогалерея «Blow Up» кан. Грибоедова, 22 открытие в 18.30, до 20 ноября 

Проект «Отель 15 звезд».  Елена Суховеева и Виктор Хмель (Краснодар), Игорь Лебедев, Андрей Чежин, Надежда Кузнецова, Олег Каплан, Татьяна Шитикова, Андрей Верховцев и Александра Федорова, Петр Лернер, Елена Клюева, Вера Дорн, Владимир Кукуруза, Марина Федорова (СПб),  Владимир Балабнев (Таллин) (Новый Ковчег от Нового Мира) куратор Вера Бибинова Галерея  «НоМИ»          Петроградская сторона, Ижорская, 13/39 открытие в 17.00, до 17 декабря 

«Большой Диксанс. Взгляд четырех» Андрей Чежин, Александр Китаев, Дмитрий Конрадт, Жан-Жак Кислинг (Горная Электросила Швейцарии в фотографиях русских и одного швейцарца) Проект Государственного центра фотографии Выставочный зал Публичной библиотеки Московский пр, 165/2 открытие в 17.00, до 5 ноября  

23 октября

«Лето в Крыму. 1911 год» (фотографии из архива Кинофотофонодокументов. Крым старинный) куратор Дмитрий Горячев Творческий центр «Митьки-Вхутемас» ул. Правды 16-20 (код 180) открытие в 16.00, до 15 декабря, центр открыт для публики по субботам с 16.00 до 20.00

«Крым. 2004 год»  Андрей Кузнецов (Крым свежий) Творческий центр «Митьки-Вхутемас» ул. Правды 16-20 (код 180) открытие в 16.00, до 15 декабря, центр открыт для публики по субботам с 16.00 до 20.00  

30 октября

Фестиваль <CURRENT-FOTO> (аудиовизуальное шоу, представляющее фотографии фотографов легендарного сообщества Live Journal) ГЭЗ-21 Арт Центр «Пушкинская,  10», Лиговский, 53 начало в 19.00  «Двое», Валентин Капустин (пары, диалоги, двое, друзья, удвоение в состояниях и играх, цифровое фото) куратор Андрей Чежин галерея ФотоImage «Пушкинская, 10», Лиговский, 53  открытие в 16.00, до 21 ноября, по субботам с 16.00 до 19.00

1 ноября 

«В продолжение», Кирилл Арсеньев (пары фотографий, продолжающие / дополняющие друг друга) куратор Надя Шерье Кафе-клуб «Zoom» Гороховая, 22 открытие в 18.00,  до 15 ноября, ежедневно 

4 ноября

Павел I глазами фотохудожников XX века (все о Павле через фото и видео) Кураторы Елена Кольницкая, Валерий Вальран Государственный Русский Музей Михайловский замок, Садовая 2 пн 10.00-17.00, ср-вс 10.00-18.00  

7 ноября

«Ленинградский андеграунд» Валентин Мария-Тиль (Самарин) (герои и лица ленинградского андеграунда 70-х) куратор Валерий Вальран Музей Нонконформистского искусства, флигель D, 2 этаж Арт Центр «Пушкинская, 10», Лиговский, 53 открытие в 17.00, до 28 ноября, ежедневно с 15.00 до 19.00 кроме пн и вт  

9 ноября

«Поэма без героя» Анны Ахматовой (в проектах петербургских фотографов)  (все об Анне через фото и видео) куратор Светлана Александрова Музей-квартира Анны Ахматовой в Фонтанном доме наб. реки Фонтанки, 34 (вход с Литейного пр. 53) до 1 декабря, ежедневно с 10.30 до 17. 30 кроме пн 

Марафон-андеграунд 
до конца года
Александр Китаев Игорь Лебедев Евгений Мохорев Александр Петросян Валерий Потапов Людмила Таболина Станислав Чабуткин Андрей Чежин куратор Дмитрий Пиликин 
подземный переход на ул. Садовой 
(совместный проект с РПА «Сфера»)

Проект ЕДИНЕНИЕ ПОД СЕНЬЮ… - в центре ДОМ
хиазм*
ДМИТРИЙ ТУГАРИНОВ - инсталляция
СЕРЖ ГОЛОВАЧ - фото
24 ноября 2004, среда - Вернисаж в 18.00
выставка продлится до 5 декабря.
Куратор – Александр Шумов
*Как взаимное противопоставление противоположностей придает красоту речи, так из соединения противоположностей возникает своего рода красноречие, но не слов, а вещей, составляющее красоту мира*.
Августин Аврелий Блаженный (354-430)
Предлагаемая нами выставка под титулом *Хиазм* объединяет двух абсолютно непохожих деятелей современной российской культуры. Двух замечательных авторов объединяет трогательный общий интерес к Ганнибалу, загадочному персонажу древних времен всем известного народа. Ганнибалу, чья слава противоречива и неоднозначна, а биография давно превратилась в ворох скудных подтвержденных исторических фактов, анекдотов и крылатых выражений типа *Ганнибал у ворот*. Что означало для древних римлян - *запредельный ужас*. Вероятно, карфагенец был достойным противником, если судить по тому, что победители воздвигали в его честь мавзолеи, статуи, даже значительно позже его физической смерти. Потому ли или поэтому, во всяком случае, Ганнибала очень возносил Александр Суворов, русский полководец и мыслитель.
И именно Суворов в инсталляции Тугаринова является проводником довольно витиеватой художественной метафоры, ведущей от Ганнибала, поскольку ему удалось повторить легендарный переход через Альпы, но несколько позднее, реализовав свою давнюю детскую мечту. По свидетельствам очевидцев, начитанный ребенок Саша Суворов был хилым до такой степени, что его не считали жильцом на этом свете, и всю оставшуюся биографию ему приходилось доказывать собственную жизнеспособность, настойчиво испытывая судьбу. Мальчик, в конце концов, стал генералиссимусом, и судьба до такой степени боялась его провокаций, что он в качестве полководца ни разу не хлебнул участи побежденного среди подобных себе. Чего не скажешь о его семейных отношениях. Во всяком случае, семидесятилетний старик повторил маршрут двадцатипятилетнего юноши в обратном направлении с вполовину меньшей армией и без слонов. Как известно, у Ганнибала имелось 37 громадных африканских слонов. Но в России к тому моменту (1799 год) еще не успели развести хоботных в таком количестве, а единственный слон царя Алексея Михайловича сдох в яме, на месте которой сейчас стоит величественное здание Государственного Исторического музея в Москве. К слову сказать, в определенной степени можно догадываться, почему нынешний бургомистр Москвы так активно сносит исторические здания, там, скорее всего, будут слоновники по разведению слонов. А против кого этих слонов направят, и дураку ясно. 
У Сержа Головача же впервые показывается серия *Волны*. Поскольку борьба между Римом и Карфагеном велась за Средиземное море, а найти достаточное количество нумидийских, ливийских, испанских и галльских ребят за короткий период подготовки выставки не представлялось возможным, то была взята элементарная аналогия из нынешних времен, а именно чудесный момент празднования 300-летия Петербурга. Матросы помимо того, что везде и всюду оказываются именно мужчинами, носят и сходную верхнюю одежду – тельняшку. С чередующимися одинаковыми белыми и темными полосами, напоминающими о зарождении абстракционизма, и создающих на верхних частях крепких молодецких тел некое подобие разволновавшегося моря. Как же тут не поволноваться, когда столько красоты естественной природной! О солдатах же напоминают несколько пар сапог Дмитрия Тугаринова. Поскольку они - все его собственные, то множественность единого целого можно также разглядывать в виде смелого художественного образа.
Вообще-то говоря, всех хотелось бы сердечно поздравить со славной нынешней датой:
Ровно 2222 года назад в ноябре 218 года до Рождества Христова 25-летний Ганнибал во главе 50 тысячного войска перешел Альпы! А *хиазм* на латыни и по-гречески всего лишь - разнонаправленное движение в двух половинах, что в целом придает выразительность смыслового противопоставления речениям и динамику визуальному образу.
Супремус, Цюрих

Программа Фестиваля интимного кино и фотoграфии.
Время проведения - С 10 апреля по 23 мая.
Куратор фестиваля -  Татьяна Волкова. 
Место проведения - галерея современной фотографии "Рефлекс". Фрунзенская набережная 12. Клуб "Фитиль".
Пресс-служба - Андрей Кудряшов.
Арт-директор - Мариан Жунин.
Директор - Ирина Белинская.

5 мая. 19.00.
Большой зал:  группа «Москва+/-» «Семь слоев». 
Алена Суховеева и Виктор Хмель «Somatip»
Объект Елены Берг «Morfing».
Аппендикс №1: Катарина Венцль «Еженедельник».
Аппендикс №2: Оксана Дубровская «Без названия».
Галерея «Пальто» в галерее "Рефлекс": Татьяна Хенгстлер «Touch it!».

Часть IV

15 мая. 19.00.
Большой зал: Татьяна Антошина «Упражнения на тему интимности».
Владислав Мамышев «Без названия».
Объект Елены Берг «Morfing».
Аппендикс №1: Антон Смирнский «Интимные места деревьев».
Аппендикс №2: Иван Пустовалов «Сокольники».

Фестиваль открывается групповой выставкой "Записки у изголовья". Так как организаторы принципиально оставили участникам свободу в интерпретации темы, эта экспозиция – своего рода исследование возможностей отношения к заданной проблематике, обещающая показать весьма широкий диапазон понимания "интимного". Типичная для тяжелого глянца и легкого газетного чтива, "интимная фотография" в рамках художественного проекта становится поводом для философско-лингвистических размышлений.
Игорь Мухин, Сергей Борисов и Герман Виноградов, каждый по своему, работают с традиционным для фотографии ню, проявляя, таким образом, почти рефлекторную реакцию, снимая поверхностный слой "интимного". Группа "В тени" рефлексируeт на тему любви, совмещая иконические изображения "парочек" со знаками прагматического. Сергей Чиликов, Дмитрий Демский, Андрей Стемпковский, Ростан Тавасиев ищут и, конечно, находят каноны эротического на страницах журналов и в глобальной сети, где "интимное" лишено интимности и превращено в соблазняющее. Сергей Головач, Евгения Емец и Оксана Дубровская - напротив, показывают глубоко личное, непубличное там, где оно может быть подсмотрено, застигнуто врасплох или развоплощено немым свидетелем - камерой на автоспуске. Перверсия так же оказывается благодатным материалом для разговора на заданную тему, так как предполагает сокрытие и утаивание (Александр Шумов). Владимир Сальников как интимное трактует тактильное, Александра Мановцева усматривает его в неожиданных местах, Семен Файбисович - в зрительных иллюзиях, которые привлекают своей уникальностью, а Александр Подосинов - в предметах старого быта, вызывающих ностальгические переживания.
"Аппендиксы" "Рефлекса" - уже сами по себе модели пространства интимного. Они устроены так, что зритель остается один на один с экспонируемым произведением.  На открытии фестиваля здесь выставляются Вячеслав Мизин и Александр Шабуров, группа "Синие носы", которые реагируют на окружающий мир посредством своих персонажей. Один из которых исследует и интерпретирует на свой лад творчество известного фотографа Хельмута Ньютона, а другой - "человек, похожий на Шабурова" - похоже, влип в историю и был застигнут врасплох папарацци. В пространстве галереи также появится место для романтических свиданий - объект Елены Берг "Morfing".

Технология куратора галереи "Пальто" Александра Петрелли, партнера фестиваля, балансирует на грани демонстрации перверсивного жеста и процессов сокрытия-открытия сокровенного, что так же является коррелятом интимности. В галерее "Пальто" в день открытия фестиваля - выставка Игната Данильцева, долгое
время занимающегося репортажной съемкой на вернисажах и собравшего большую коллекцию спонтанных интимных сцен расчувствовавшихся деятелей искусства.

В рамках фестиваля (23 апреля - 23 мая) будут представлены персональные проекты Евгения Мохорева (Санкт-Петербург), затрагивающего тему сексуальности подростков; Вадима Гущина, детально изучающего "геометрию гигиены"; нео-академические "упражнения на тему интимности" Татьяны Антошиной и группы "Москва+/-"; взгляд на интимную фотографию Алены Суховеевой и Виктора Хмеля (Красноярск) и Владислава Мамышева-Монро. В аппендиксах - фотокомикс Викентия Нилина; фотоперформанс с истязанием собственного тела Елены Ковылиной; зарисовки из жизни пенсионеров, отдыхающих в парке в Сокольниках, Ивана Пустовалова; интимные места, найденные Антоном Смирнским у деревьев, и другие проекты.

ФЕСТИВАЛЬ ИНТИМНОЙ ФОТОГРАФИИ.
В поисках новой интимности.

Фестиваль стремится выявить и продемонстрировать максимально широкий диапазон трактовки понятия "интимное". Для этого были приглашены авторы, работающие в разных техниках и направлениях и представляющие разные типы художественного языка. Фестиваль открыла групповая выставка, где это "полифоническое" начало явило себя наиболее ярко. Следующая фаза - показ ряда персональных проектов. Выставки петербургского фотографа Евгения Мохорева из цикла "Не-взрослые", впервые так широко представленного в Москве, и "Геометрия гигиены" Вадима Гущина, сделанная специально для фестиваля.
То, что делает Мохорев - рискованная игра искусства с социумом. Мы бы не называли это "вызовом", но тех, кто не удосужится вглядеться в его фотографии пристально, они будут шокировать. Обнаженные подростки обоих полов все же - "слишком", если воспринимать изображения на уровне сюжета. Это могло бы быть позиционировано как социальное искусство. Все "острые" вопросы были бы сняты, но в таком случае мохоревские фотографии выпали бы из поля собственно фотографического, став одним из проектов "contemporary art", где речь идет об актуальности и совершенстве техники, а вовсе не мастерстве исполнения, где фотография превращается в один из многих возможных проводников замысла художника. Мохорев остается фотографом, его работы это с одной стороны - документ, так как каждая - результат личного общения художника и модели, фиксация лишь мгновения длительной работы со стихийным подростковым community; с другой - они всегда производят впечатление филигранной постановки. Но это уже результат пластической чуткости художника, проявления которой можно видеть в любых его работах.
Фотографии Вадима Гущина - о людях и вещах, об интимных отношениях между ними. Речь не о прямом их взаимодействии, а интимность здесь возникает не потому, что на фотографиях изображены предметы личной гигиены. Дело в том, что вещи у Гущина сняты как будто в отсутствии человека. На его фотографиях они находятся в состоянии абсолютного покоя, в них отсутствует то напряжение, которое испытывает предмет, к которому мы присматриваемся, который выбираем, который мы задумали употребить. Как в сказочных мультфильмах про тайную жизнь вещей "после полуночи". Если в реальности наше отношение к вещам, видение их обусловлены практическими соображениями, вкусом, привычкой, то здесь они остаются "вещами в себе", живут исключительно "личной", интимной жизнью.
"Аппендиксы" "Рефлекса" - уже сами по себе модели пространства интимного. Они устроены так, что зритель остается один на один с произведением. На открытии фестиваля здесь выставились Вячеслав Мизин и Александр Шабуров с вариацией "секс-арта". Во второй части в аппендиксах - загадочный фотокомикс Викентия Нилина и документация перформанса с истязанием собственного тела Елены Ковылиной. В пространстве галереи также появилось место для романтических свиданий - объект Елены Берг "Morfing".
Технология куратора галереи "Пальто" Александра Петрелли, партнера фестиваля, балансирует на грани демонстрации перверсивного жеста и процессов сокрытия-открытия сокровенного, что так же является коррелятом интимности. В галерее "Пальто" в день открытия фестиваля прошла выставка Игната Данильцева, собравшего большую коллекцию спонтанных интимных сцен расчувствовавшихся деятелей искусства. Следующий проект в "Пальто" - брутальные фотоколлажи "Pоrno-ambient" Евгения Кемеровского.

В мае в рамках фестиваля будут представлены нео-академические "упражнения на тему интимности" Татьяны Антошиной и группы "Москва+/-"; взгляд на интимную фотографию Елены Суховеевой и Виктора Хмеля (Краснодар), а также интимные отношения актрисы Любови Орловой, приоткрытые нам Владиславом Мамышевым-Монро. В аппендиксах - интимная фотография на каждый день Катарины Венцль, проект "Extrabody" Дмитрия Шубина (Санкт-Петербург); "фотолюбовь" Давида Тер-Оганьяна и зарисовки из жизни пенсионеров, отдыхающих в парке в Сокольниках, Ивана Пустовалова. В галерее "Пальто" в рамках фестиваля - тактильные фотографии Татьяны Хенгстлер и философия интимности Георгия Литичевского.

<<25 марта – 18 апреля в Государственном центре современного искусства "Ш И З О Р А М А".
Проект «Шизорама» отражает многомерность феномена молодежной культуры. Основное внимание сосредоточено на проблеме деконструкции медийных и экономических стратегий, представляющих и утверждающих молодежную культуру как часть массового рынка. Различные стили жизни и субкультуры тщательно исследуются и адаптируются с учетом их происхождения и с целью создания ощущения общности и индивидуальности для потребителя, используя стремления молодежи к аутентичности. Кроме того, понятия человеческого общения, публичной жизни и индивидуальности формулируются по новому с учетом технологии медиализации и коммуникации. Внутри молодежной культуры медиализация, массовое производство, а также  Лого- и поп-культура с их структурами, рассчитанными на определенные социальные группы, и модели, влияющие на сознание, -- все это ведет к расширению территории иллюзии и виртуальности в мире. Построение иллюзорных миров, игнорирующих чувственный опыт, является широко распространенным феноменом, который проявляется, в частности, в сериалах и реалити-шоу  таких как «Большой брат»(«Big brother») и «Семейка Осборнов» (“Osborns”), в ток-шоу и чатах, которые переносят личный опыт в пространство виртуальной группы, меняя его статус. Новые формы коммуникации, такие как электронная почта и СМС, позволяют поддерживать контакты и получать опыт без физического присутствия.
Выставка демонстрирует работы художников, живущих в Берлине, которые представляют «полевые» исследования описанного выше явления, и адресована молодежной аудитории. 
В шестичастной серии постеров «Я здесь, и ты здесь» датская художница Лиза Харлев обращается к обещаниям и призывам телевизионной рекламы. Она объединяет несколько логотипов на тему мобильности и коммуникации, задаваясь вопросом о том, как они влияют на чувство принадлежности к определенному месту. Очень гибко и иронично художница показывает, как современные технологии внедряются в стиль жизни человека во имя прибыли и рынка. 
Микаела Швайгер исследует возможности трансформации городского пространства. Панорама города, представленная коллажем, служит фоном для трех анимационных фильмов. Каждый из этих анимационных видеорядов рассказывает свою историю, используя диалоги из чатов на тему отношений между общественным и личным пространством в виртуальных сообществах. Работы напоминают идеализированный образ будущих городов, которые были характерны для аниматоров компании Уолта Диснея в 60-х годах.
Флориан Зейфанг инсталлирует некую среду посредством цитирования и деконструкции различных специализированных пространств и систем представления.
Шон Снайдер также анализирует сложные системы городских пространств, публичных мест и их отображение в СМИ. Художник показывает серию фотографий сети ресторанов «Макдоналдс» в различных точках мира, акцентируя идею, что стратегии транснациональных корпораций проникают через географические и культурные границы. 
Шахрам Энтехаби исследует этот же аспект в своей работе «Happy Meal» (2004), в которой мы видим девочку в хиджабе, поедающую предлагаемый Макдоналдсом детский обед. Видео сопровождается исламской популярной детской музыкой, возносящей хвалу Аллаху. Здесь противопоставляются две взаимоисключающие концепции детства: западная идея детства с ее потребительским прагматизмом и восточная идея детства с обещанием спасения. Кроме того, в проекте появляются аллюзии на особую культуру стран третьего мира. 
Испанская художница Мариса Маза осмысляет проблемы культурной идентификации молодых женщин-эмигранток в Берлине. Она представляет серию фотографий берлинских подростков, в основном девочек турецкого происхождения. Работа Марисы Маза поднимает вопрос о культурных и гендерных составляющих человеческой личности.
Южноафриканский художник Робин Роде рассматривает такие субкультурные явления как граффити и уличное искусство, а также феномен молодежных групп нового поколения (например, скейтбордистов),  критически противопоставляя их брэнд-стратегиям и представлениям в СМИ. В своих акциях он использует рисунки мелом или углем на архитектурных поверхностях: на стенах, фасадах и т.д. Например, в произведении «He Got Game» («Идет игра») (2001) Роде взаимодействует с нарисованным баскетбольным полем, на котором он играет, одетый в обязательную спортивную одежду Nike.
Анатолий Журавлев иронично исследует необъяснимые параллели медийных миров. Он демонстрирует мобильный телефон, сделанный из небольших цветных резиновых шариков (так называемых «флумис»), в которые вмонтированы миниатюрные портреты  известных людей, сфотографированных прямо с телеэкрана, и таким образом отделенных от своего нарративного контекста. Несмотря на крошечный размер фотографий, Джек Николсон в «Сиянии», Карлтон Хестон в «Бен Гуре» и др. отчетливо различаются на картинках размером с конфетти. 
Видеофильм «The Oral Thing» («Оральная вещь») (2001) Бьорна Мельхуса – это короткий рассказ, посвященный интимным признаниям в дневных ток-шоу. Смешивая жанры телевизионной проповеди, мюзикла и телеигры, ведущий опрашивает двух кандидатов с изувеченными телами, заставляя их признаваться в насилии, кровосмесительстве и занятии сексом; фоном для признаний служат морализаторские комментарии студийной аудитории. 
Инсталляция Катрин Лок соединяет образы ТВ-клипов, документальных фильмов и рекламы оружия. Центральная тема ее работы – взаимоотношения этих образов и поп-культуры (Хипхоп и Регги). Художница проявляет особый интерес к изучению социальной среды. Она исследует маркетинговые стратегии и имиджмейкинг для настоящих и будущих культовых фигур музыкальной индустрии (например,  Еминема или Бужу Бантона).
Инсталляция Яна Рольфа и Маверика «Сладкие мечты сделаны из… / Генераторжанров» обыгрывает такие противоположные явления как индивидуализация и образование общности в поп-культуре. Так называемый «Генераторжанров» производит ежедневное изменение существующих кодов, используемых для описания музыкальных жанров, и таким образом внедряет все новые различия и виды, доходя до полного абсурда.
В своей видеоработе «Hey Produktion» Джудит Хопф противопоставляет понятия общности и социальной интерактивности с современными явлениями социальной жизни («гибкий» рабочий график, работа в команде и self-management). Первая часть видео демонстирует художницу в парке, греющуюся на солнце и наблюдающую за животными. Во второй части доминирует песня «Hey Produktion», которую художница сочинила вместе с Йеско Фезером. Джудит исполняет странный танец с «парящими продюсерами» на зеленой лужайке.
Художники:
Шахрам Ентехаби (Shahram Entekhabi), р. 1957 в Беруерде, Иран, живет в Берлине
Лиза Харлев (Lise Harlev), р. 1973 в Аденсе, Дания, живет в Берлине
Джудит Хопф (Judith Hopf), р. 1969 в Карлсруе, живет в Берлине
Катрин Локк (Katrin Lock), р. 1973 в Гамбурге,  живет в Берлине
Мариса Маза (Marisa Maza) , р. 1965 в Мадриде, Испания, живет в Берлине
Бьорн Мельхус (Björn Melhus), р. 1966 в Киршхайм/Тек, живет в Берлине
Робин Роде (Robin Rhode), р.1976 в Кейптауне, Южная Африка, живет в Берлине
Ян Рольф и Маверик (Jan Rohlf & Maverick), р.1975/1974 в Германии, живут работают в Берлине
Микаела Швайгер (Michaela Schweiger), р. в Хайденхайм/Бренц, Германия, живет в Берлине
Анатолий Журавлев, р. 1963 в Москве, живет в Берлине и в Москве
Шон Снайдер (Sean Snyder), р.1972 в США, живет в Берлине
Флориан Зейфанг (Florian Zeyfang), р.1965 в Германии, живет в Берлине
Открытие выставки 25 марта, 18.00>

^ Из музея "Другое искусство": В основу музея положено частное cобрание известного российского коллекционера Леонида Tалочкина. Название выбрано не случайно: в 1990-1991 годах в Государственной Третьяковской галерее и Государственном Русском музее под этим названием состоялась выставка ста двадцати московских художников-нонконформистов. Куратором и одним из составителей каталога был Л.П.Талочкин. Демонстрировались и картины из его собрания – уникального не только в России, но и в мире. Оригинальность нашего проекта - в монографически полном охвате послевоенной волны русского неофициального искусства. В отличие от экспозиций, где шестидесятники представлены лишь отдельными работами, музей "Другое искусство" вместит в себя практически весь спектр имен и направлений художников послевоенного авангарда. Коллекция насчитывает более 1500 произведений, и на сегодняшний день это крупнейшее в России частное собрание художников-нонконформистов. Здесь живопись, графика, скульптура, объекты ведущих представителей неофициального советского искусства : художники "лианозовской группы" - Оскар Рабин, Евгений, Валентина и Лев Кропивницкие, Лидия Мастеркова, Владимир Немухин, Николай Вечтомов; участники знаменитой "Бульдозерной выставки" - Сергей Бордачёв, Борис Борух, Юрий Жарких, Евгений Рухин; концептуалисты Римма и Валерий Герловины, Никита Алексеев; кинетисты Франсиско Инфанте, Вячеслав Колейчук; основатели соц-арта Комар и Меламид. Весьма известны имена Эрнста Неизвестного, Владимира Вейсберга, Анатолия Зверева, Александра Харитонова
Начало коллекции было положено в 1963 году. Это времена "хрущевской оттепели" - СССР начинает налаживать контакты с Западом. 1957 год – VI Всемирный фестиваль молодежи и студентов, в рамках которого проходили выставки современных художников разных стран мира. 1958 – выставки польских абстракционистов и американского искусства, 1961 – выставка французских мастеров. Молодое поколение художников увидело "другое искусство, не похожее на то, которое вдалбливалось в художественных училищах" (Генрих Сапгир - поэт, член "лианозовской группы"). Как известно, увлечение подобного рода живописью не пришлось по вкусу официальным лицам. Название "нонконформисты" молодые художники получили после разгрома Н. С. Хрущевым выставки в Манеже в декабре 1962 года.
Основa собрания - "шестидесятники", но есть и более поздние работы вплоть до конца 1990-х гг. Коллекция Талочкина – отражение его жизни, прожитой с художниками. Практически все картины были подарены самими создателями, которых он знал лично. Купленные работы в коллекции можно пересчитать по пальцам. С каждым произведением связана какая-нибудь интересная, зачастую просто невероятная история.
Работы, представленные в музее, активно участвовали в художественной жизни 1960 - 1970-х годов, экспонировались на таких ставших культовыми выставках, как "Бульдозерная" (1974) и Измайловская (1974), выставки в Павильоне "Пчеловодствo" ВДНХ (1975), выставки Горкома графиков на Малой Грузинской (с 1976). Талочкин был завсегдатаем квартирных выставок, предоставлял свои работы для экспонирования, занимался составлением каталогов. Когда искусство андеграунда получило официальное признание, состоялось множество выставок в России и за рубежом. Среди них - ретроспективные из собрания Талочкина: 1989 - в Куйбышеве (ныне Самара) - выставка "Московское неофициальное искусство 1960-1970 годов из собрания Талочкина" в Куйбышевском областном художественном музее; конец 1991–начале1992 гг. в Калининграде (бывшем Кенигсберге) - выставка "Мастера отечественного авангарда из собрания Талочкина" в Художественной галерее; 1992 в Германии - выставка "Другое искусство из собрания Талочкина", на которой экспонировалось около 150 работ. Вещи из коллекции экспонировались в московских галереях и музеях: 1990-1991 гг. - выставка "Другое искусство. Москва 1956–1976" в Государственной Третьяковской Галерее и Государственном Русском Музее; 1995 - проект "Элементы наива в творчестве ненаивных художников"в галерее "Дар"; 1997 – ретроспектива работ Евгения Рухина в галерее "Ред-Арт" ; в 1997 – на открытии Музейного центра РГГУ; 1998 - "Визитная карточка РГГУ"; 1998 – выставка памяти Аркадия Штейнберга в Литературном музее; январь 1999 - галерея "Ред-Арт": проект "Найди пять отличий"; сентябрь 1999 - выставка мейл-арта художника Толстого из коллекции Л. П. Талочкина.

^ В 2006 году  Государственная Третьяковская галерея торжественно отметит свой 150-летний юбилей.  Основатель  галереи - московский купец, меценат, собиратель и пропагандист  российской художественной  школы  Павел Третьяков, - поставил своей целью создание первого  общедоступного музея русского искусства и в полной мере выполнил эту задачу. У Третьяковской галереи поистине уникальный статус: заслужив всенародное признание,  она  стала одним из национальных символов России. Пройдя за сто пятьдесят лет долгий  путь от частной коллекции до крупнейшего музея мирового уровня,  вобрав в себя  лучшее из созданного отечественным изобразительным искусством, Третьяковская галерея стала  неотъемлемой частью  мировой художественной культуры. Юбилей музея   станет настоящим  праздником для  россиян и мирового культурного сообщества и будет отмечаться не только художественной общественностью, но и на государственном уровне.
К 2006 году планируется осуществить ряд масштабных мероприятий по реконструкции зданий галереи. На Кадашевской набережной будет возведен новый корпус, в котором разместится часть постоянной экспозиции галереи,  а также  оборудованные в соответствии с новейшими технологическими требованиями хранилища и Центр эстетического воспитания. По соседству с ним расположится культурно-выставочный Центр. Серьезной реконструкции и техническому переоснащению подвергнется здание Третьяковской галереи на Крымском валу, где размещается экспозиция "Искусство ХХ века" и демонстрируются произведения, созданные современными художниками. В ближайшем будущем, в 2004 году, планируется завершение реконструкции помещений библиотеки и архива. Реконструкция коснется и музеев-филиалов Третьяковской галереи: откроет свои двери посетителям долгожданный музей художников Михаила Ларионова и Наталии Гончаровой в Трехпрудном переулке, будет отремонтировано здание дома-музея Павла Корина.
Третьяковская галерея совместно с Министерством культуры подготовит к своему юбилею обширную программу, в которую войдут выставки, издания новых книг и альбомов, детские праздники, научные конференции. К юбилею запланированы масштабные и яркие выставки русского искусства, шедевров мировой живописи из собрания знаменитого музея Орсе, большая ретроспективная выставка произведений Марка Шагала и другие проекты.  Мемориальная экспозиция "Павел и Сергей Третьяковы" поможет еще раз с благодарностью  вспомнить о беспрецедентном вкладе братьев Третьяковых в отечественную культуру,  воссоздаст атмосферу и быт просвещенного московского купечества второй половины ХIХ  века, представит документальные материалы, личные вещи и фотографии основателя галереи,  его семьи, друзей и единомышленников.
Будет продолжена работа по успешно развивающемуся  проекту "Золотая карта России", в том числе и в  международном аспекте: в год 150-летия галереи откроется выставка "150 шедевров русского искусства", к участию в которой будут привлечены музеи стран ближнего и дальнего зарубежья. Накануне юбилея Третьяковская галерея подготовит ряд изданий. В ближайшее время появится уникальный альбом "Шедевры русского искусства из собраний Государственной Третьяковской  галереи и региональных художественных музеев России", изданный  на русском и иностранных языках и  представляющий 25 регионов страны.  Выйдут в свет три тома академического каталога собрания галереи, с публикацией которых завершится каталогизация коллекции русского живописи ХVIII - начала XX века. К юбилею будут изданы альбом "Шедевры русского искусства в собрании  Государственной Третьяковской галереи", "Летопись жизни П. М. Третьякова в документах и фотографиях", воспоминания дочерей П.М.Третьякова А.П.Боткиной и В.П.Зилоти, переписка А.П.Боткиной и И.С.Остроухова. Появятся новые путеводители, монографии, сборники научных трудов сотрудников галереи, серия видеофильмов о русских художниках. Будет создана новая версия сайта галереи в Интернете. 
В день празднования юбилея, 22 мая 2006 года, в Большом театре России состоится торжественное заседание, посвященное 150-летию Третьяковской галереи. Перед историческим зданием в Лаврушинском переулке пройдет народное гулянье с фейерверком. Банк России изготовит памятную монету, посвященную 150-летию основания Третьяковской галереи.

^ Что мы имеем на сегодняшний день: Россия живет общей жизнью с мировым сообществом, и, следовательно, ее искусство быстро реагирует на события в нем.  В России сегодня концентрируется колоссальная энергетика развития во всех областях.  Такой момент благоприятен не только для развития творчества, но и для извлечения из него прибыли, для успешных и долгосрочных инвестиций в искусство.  Время – самый тонкий и беспристрастный ценитель и коллекционер.  Для знатоков, вкладывающих средства в современное искусство, время – главный показатель обоснованности вложений.  В данный момент, когда современное искусство России несет на себе «почетный» статус искусства «третьего мира», отечественные покупатели предпочитают инвестировать средства в те произведения, ценность которых проверена временем и подтверждена мировым признанием таланта художника.  И инвесторы совершенно правы, заботясь о собственных интересах в ущерб патриотизму.  Отмечая наличие большого числа отечественных талантов, их художественного потенциала, вывод напрашивается сам собой: настало время пересмотреть представления не только об искусстве, но и об организационно-коммерческой стороне дела.  
Не очень хорошо обстоит в России вовлечение произведений современного искусства в мировой аукционный оборот, Россия не вхожа в узкий круг мировых устроителей престижных аукционов, но ситуация постепенно меняется в лучшую сторону.  Но с удовольствием нужно отметить, что на сегодняшний день в Москве существует около десяти очень качественных галерей и талантливых галеристов, таких как Айдан, Галерея Марата Гельмана, Риджина, Крокин Галерея, Галерея Fine Art.  Нельзя отрицать увеличивающееся количество прецедентов продаж произведений российских художников, однако эти случаи единичны и относятся к весьма небольшому количеству уже давно известных имен.  И все-таки, объективная картина состояния современного российского арт-рынка такова, что можно смело утверждать: Россию и ее искусство ждет повсеместное мировое признание.  Ускорить этот процесс, одновременно предоставляя обширные возможности для инвесторов, желающих гарантированно вкладывать средства в современное искусство – задача галереи «Stella Art Gallery».
Галерея «Stella Art Gallery» не будет первой в попытках прорваться на мировой рынок, но она обладает многими возможностями и связями с самыми важными и ключевыми фигурами и субъектами мирового рынка современного искусства.  Галерея будет напрямую сотрудничать с главными аукционными домами, а так же с двумя галереями в Париже и Женеве, принадлежащими талантливому и успешному галеристу Эдварду Миттерану, племяннику бывшего президента Франции Франсуа Миттерана. Эдвард Миттеран со своей стороны возьмется поставить в известность более 3000 арт-институтов и коллекционеров в Европе о деятельности галереи «Stella Art Gallery».  Это сотрудничество и станет тем «счастливым случаем», который предоставит возможность выйти полноправными участниками на зарубежный рынок российским талантам.  Политика галереи основывается на простом и общепризнанном принципе: искусство не может быть некоммерческим, потому что иначе оно – нежизнеспособно.  Произведение искусства, помимо своей художественной ценности, должно иметь цену как продукт арт-рынка, а его художественная ценность и определяет рыночную стоимость.  Подобная система выработана мировым арт-сообществом, и, именно она позволяет современному искусству выживать и популяризироваться.
В галерее создаются максимально удобные условия для клиентов: несколько выставочных залов, с не имеющей аналогов в России осветительной системой, хранилищами.  Расположение галереи в «тихом центре» столицы, в окружении посольств, предоставление целого комплекса услуг в ходе покупки и дальнейшего владения ценным приобретением, а также – гарантию конфиденциальности сделки создаст прекрасный альянс «галерея-клиент».  Деятельность галереи организована таким образом, что отечественный покупатель, знаток и ценитель мог в любой момент в Москве приобрести произведение, имеющее ценность в масштабе мировой культуры без бюрократических проволочек, утомительных поездок и пустой траты времени на поиски, перевозку, оформление таможенных документов и налоговых деклараций.
В данный момент в мире ощущается потребность в активной деятельности проводника между отечественным и мировым рынком современного искусства.  Появление галереи, ставящей перед собой такое множество важных задач, какими их определяет Стэла Кей, владелица галереи «Stella Art Gallery» - давно ожидаемое событие не только для российского современного искусства, но и для мирового сообщества в целом.  Галерея возьмет на себя тяжелый и почетный труд пробивать дорогу отечественным талантам, предоставляя им возможности выхода на самый высокий уровень.  Одновременно с этим, галерея «Stella Art Gallery» намерена отстаивать их интересы и участвовать на равных с законодателями и признанными мировыми авторитетами в формировании оценочного критерия произведений российского искусства, вовлекая в аукционный оборот в статусе полноправных объектов рынка.  Таким образом, меняя устоявшиеся стереотипы, сложившиеся в мире о ценности современного российского искусства, галерея «Stella Art Gallery» будет балансировать между коммерческой выгодой и эстетической стороной дела.  При тенденции к глобализации мирового сообщества, кто-то обязан обеспечить встречу культур и мировоззрений на качественном уровне и на равных позициях.
«Stella Art Gallery» ставит также перед собой задачу влиять на многие события.  Почему, например, когда в Европе регулярно проводят аукционы российского современного искусства, мы никак не можем повлиять на ценовую планку?  Почему на всемирно значимых биеннале и аукционах отечественные экспозиции занимают столь малую нишу, при огромном творческом потенциале и наличии многих талантов?  Наконец, почему работы наших художников так редко вывозятся на экспонирование и наше участие в мировых культурных событиях столь ничтожно мало?  Ответить на все эти вопросы и решить их - стало первостепенной задачей и послужило поводом к открытию галереи «Stella Art Gallery».  Итак, «Stella Art Gallery» будет искать пути развития рынка современного искусства России, как внутреннего, так и внешнего.  
Торжественное открытие галереи «Stella Art Gallery» и пресс-конференция состоятся 2 октября по адресу: Скарятинский переулок, дом 7. 

Будут представлены полотна трех  художников – Энди Уорхола (Andy Warhol), Тома Вессельмана (Tom Wesselmann) и Жана-Мишеля Баския (Jean-Michel Basquiat).
Учитывая ажиотаж, сопровождавший проходившую в Москве в 2002 г. выставку Энди Уорхола, открытие Stella Art Gallery обещает стать значительным событием в культурной жизни столицы. Дополнительный вес событию придает тот факт, что до сих пор работы Тома Вессельмана и Жана-Мишеля Баския в России не выставлялись, а также то, что привозимые картины входят в число лучших работ этих художников.

На открытии галереи ожидается присутствие выдающихся художников, первых лиц международных аукционных домов, членов европейских аристократических и королевских фамилий, представителей российской творческой интеллигенции, ведущих бизнесменов и политиков.

Руководство галереи планирует обновлять экспозицию ориентировочно четыре раза в год.
Открытие галереи проходит при широкой поддержке европейской и российской арт-общественности. Прямое сотрудничество с главными аукционными домами, а также с галереями Эдварда Миттерана в Париже и Женеве, поможет Stella Art Gallery в перспективе стать полноправным участником мирового арт-рынка и вовлекать в мировой оборот работы современных российских художников.
Известный европейский галерист Эдвард Миттеран, племянник экс-президента Франции Франсуа Миттерана окажет консультационную помощь в организации первых выставок, а также поставит в известность более 3 000 арт – институтов и коллекционеров в Европе о возможностях новой российской галереи. 
По мнению хозяйки галереи - Стеллы Кей, выставляемые работы кроме художественной ценности, обладают и несомненной инвестиционной привлекательностью. Так, индекс работ Энди Уорхола с 1996 по 2000 вырос более чем в четыре раза - на 323 проц.

Руководство галереи ставит перед собой многочисленные цели, а именно:
-         Обеспечить интеграцию мирового современного искусства в Россию и наоборот.
-         Способствовать формированию арт – рынка в России;
-         Способствовать повышению статуса российского современного искусства за рубежом
Решая при этом такие задачи, как:
-         Поддержка интересов Российских художников и предоставление им возможности выхода на самый высокий уровень
-         Увеличение ниши отечественных экспозиций на всемирно значимых биеннале и аукционах и расширение участия в мировых культурных событиях.
-         Участие в формировании оценочного критерия произведений российского искусства.

По вопросам аккредитации и получения дополнительной информации, а также списка выставляемых картин обращайтесь по телефону (095) 459-9023, 459-9034, 8(910) 480-1878 Маргарита Герасимова

"BABEL-ON"

Катерина Либеровская и Филл Ниблок. Куратор – Нина Зарецкая. 10 – 21 февраля, 2004. Центр современного искусства М'Арс
5 канальная аудио-видео инсталляция:
- видео с синхронным звуком: Катерина Либеровская;
- аудио: Филл Ниблок.
Первый совместный проект нью-йоркского интермедийного художника/композитора Филла Ниблока и монреальской видео/мультимедийной художницы Катерины Либеровской, BABEL-ON, представляет собой аудио-видео работу, в которой мелодические и ритмические аспекты разговорного языка человека рассматриваются как музыкальные средства общения и основное внимание уделяется прежде всего звуковой стороне вербального выражения, нежели его значению.
Четыре синхронные проекции демонстрируют различные последовательности видео-клипов, состоящих из очень крупных планов лиц мужчин и женщин разных национальностей и/или происхождения, говорящих на своем родном языке о музыкально-ритмических свойствах и индивидуальных особенностях этих языков, а также пытающихся вспомнить скороговорки или стихи. Одновременно, как контрапункт к этим видео-проекциям с их синхронной звукозаписью, исполняется звуковая композиция Филла Ниблока, основанная на звучании тех же голосов и языков. Составленная из реальных речевых фрагментов видеоматериала, эта плотная ритмическая композиция формирует некую акустическую среду, которая взаимодействует с многоязычной речью, то являясь ее сопровождением, то преобладая над ней и вытесняя ее, а временами и замолкая, что создает своего рода музыкальный разговор.
Проект BABEL-ON предполагает создание очень живого, физического аудио-видео потока, порождающего разнообразные ассоциации и диссоциации, внутреннюю напряженность между образом и звуком, речью и музыкой, словами и обозначениями, намерением и случайностью, - постоянное течение непостоянных, ускользающих, меняющихся значений и ощущений. Это некое эмпирическое произведение, которое акцентирует невербальные возможности голосового общения, отсылая к многообразным взаимоотношениям между различными геополитическими областями, культурными традициями и цивилизациями.

Катерина Либеровская (liberovskaya@compuserve.com) – уроженка Монреаля, художница, работающая в различных жанрах, но преимущественно, с конца 80-х гг., в области экспериментального видео и мультимедийного искусства Ее работы представлялись на художественных выставках в разных странах мира, завоевывали награды в Европе и Северной Америке и находятся в коллекциях видеоискусства Национальной Художественной Галереи Канады, Банка Искусств Совета Канады, а также в нескольких частных коллекциях. Она является обладательницей многочисленных грантов и художественных наград в Канаде и Франции, где она закончила свое художественное образование. Кроме того, она также занимается составлением программ и организацией разнообразных мероприятий в области медиа-искусства, главным образом со “Студией XX”, Монреальским кибер-феминистским Центром исследований и презентаций, основанным в 1995 г. (www.studioxx.org), президентом которого она являлась с 1999 г. по 2003 г. В настоящее время она состоит членом совета директоров Союза Независимого Кино и Видео Канады (который только что изменил свое название на Союз Независимого Медиа-искусства Канады).

Филл Ниблок (pniblock@compuserve.com) – интермедийный художник, использующий музыку, кино, фотографию и компьютер. Он создает плотные громкие звучания, наполненные микротонами инструментальных тембров, что генерирует множество других тонов в исполнительском пространстве. Одновременно он представляет фильмы / видео, рассматривающие движения работающих людей, или черно-белые абстрактные компьютерные образы, проплывающие во времени. Он родился в Индиане в 1933 г. С середины 60-х гг. создавал музыкальные и интермедийные перформансы, которые показывались на многочисленных площадках по всему миру. С 1985 г. – директор Экспериментального Интермедийного Фонда в Нью-Йорке (www.experimentalintermedia.org), членом которого он состоял с 1968 г. Является продюсером музыкальных и интермедийных презентаций в ЭИ с 1973 г. (около 1000 перформансов) и куратором на XI Студии Грамзаписи ЭИ. В 1993 г. была создана Экспериментальная Интермедиийная организация в Генте, Бельгия - EI v.z.w. Gent – для поддержки программы резиденций художников и организации инсталляций.

Нина Зарецкая – уроженка Москвы, продюсер, тележурналист, видео-мейкер, куратор медиаискусства, и, с 1991 г., основатель и руководитель Арт Медиа Центра “TV Галерея” (www.tvgallery.ru). Защитила кандидатскую диссертацию в МГУ, где была преподавателем на факультете журналистики. Была автором и продюсером множества телепрограмм, документальных фильмов и видео, а также осуществила значительное количество кураторских проектов в России и за рубежом, главным образом в Германии и США. Обладатель различных грантов и стипендий, также участвовала в многочисленных международных выставках и фестивалях по всему миру. Кроме того, занимается образовательной деятельностью и является автором работ и лекций по современному искусству.

В рамках выставки будет представлена специальная программа, включая интермедиа-перформансы Филла Ниблока: 18 февраля, в среду, и 19 февраля, в четверг – в Государственном Центре Современного Искусства (ул. Зоологическая, д.13, Москва, тел. 095-254-8492, www.ncca.ru); 21 февраля, в субботу, – в ЦСИ М'АРС (Пушкарев пер., д.5, Москва, тел. 095-923-5610); 22 февраля, в воскресенье – в Культурном Центре “ДОМ” (Б. Овчинниковский пер., 24-4, Москва, тел. 095-953-7236, www.dom.com.ru); и лекция художницы Катерины Либеровской “Видеоискусство между воображением, перформансом и действительностью: от движущейся живописи к человеческому взаимодействию”, 16 февраля, в понедельник – в Государственном Центре Современного Искусства. 

^ 20 декабря в торговом комплексе "Трамплин", котороый находится по адресу ул. Ярцевская, д. 25а, метро Молодежная, первый вагон из центра, состоится презентация долгосрочного художественного проекта "Новая территория искусства" Максима Каракулова, Алексея Булдакова, Группы Радек, Brainmade.
Искусство всегда было неразрывно связано с жизнью, являлось ее неотъемлемой частью, обитало в повседневных пространствах и решало очень конкретные, жизненные проблемы – помимо проблем чисто художественных. Однако, начиная со второй половины 19 века, с активным развитием музейного института, происходит и постепенная музеификация искусства. Для него в обществе отводится специальная территория, искусство сакрализуется, становится самодостаточным выражением «прекрасного», все более и более отгораживается от жизни. С какого-то момента произведение искусства перестает рождаться из потребностей повседневного существования и начинает мыслится объектом, уже с самого начала помещенным в музей. 
Художники первыми почувствовали эту тенденцию и начали активно ей сопротивляться. Весь 20 век – это история борьбы искусства с собственой музеификацией, непрерывные попытки выйти за отведенные ему границы. В этой борьбе использовались очень разные приемы и методы. Это и заявление о конце искусства, попытка создать последнее в истории человечества художественное произведение. Это и расширение термина искусства до бесконечности, когда произведением искусства могло быть объявлено все, что угодно, привнесенное в сакрализованное выставочное пространство. Это и создание объектов искусства за физическими пределами музейного и галерейного пространства.
Однако, музей и галерея оказались способными вместить в себя очень многое. И на протяжении всего 20 века мы видим, как то, что изначально мыслилось «неискусством», всячески сопротивлялось своей территоризации, успешно встраивается в музей, и ему подбирают там соответствующее место. И как то, что хотело активно воздейсвовать на общество, быть в непрерывном контакте с жизнью, постепенно теряет свои силы, обезоруживается и становится обычным сакрализованным музейным шедевром, утерявшим все связи с собственным жизненным контекстом.
И постепенно в общественном сознании укрепляется мысль, что искусство – всего лишь надстройка над жизнью, ее украшательство, некий вид досуга и развлечения. Неудивительно поэтому, что искусство представляется многим бесполезной роскошью. В нем перестают видеть инструмент активного воздействия и взаимодействия с миром, не воспринимают как очень полезный и эффективный вид деятельности, способный решать такие задачи, которые не под силам любой другой деятельности. И если на Западе, с его многолетней борьбой художника за право искусства участвовать в жизни, ситуация не такая критическая, то в России, где такой борьбы практически не было, роль искусства катастрофически недооценивается.
Но глупо и неразумно сетовать на сложившуюся ситуацию. А уж тем более надеяться, что эта ситуация изменится сама собой – тем более, это навряд ли когда-либо произойдет, если мы сами не будем прикладывать каких-то усилий. Мы не хотим ждать, когда традиционные центры искусства, музеи и галереи, смогут наконец, создать все необходимые условия, чтобы искусство начало адекватно функционировать в обществе. К тому же, если учесть, что эти культурные институты, всегда дейсвовали строго наоборот. Мы считаем, что искусство само должно покинуть свои традиционные ареалы существования и прийти в места обитания современного человека, появиться вдруг на тех тропах, по которым он бродит каждый день.
И наиболее подходящим местом - где может возникнуть такая новая территория искусства - оказывается современный торговый центр. Ведь это место наибольшего скопления людей, и именно здесь, люди, в другое время разделенные своими рабочими местами и разнообразными социальными перегородками, неожиданно оказываются вместе, объединенные одними и теми же мотивами и связанные друг с другом схожими нуждами. В свое время скоморохи и плясовые медведи уже выступали на торговых площадях. Теперь же, современное искусство внедряется в торговые центры.
Мы выступаем за демократическое искусство. Т.е. за такое искусство, которое может быть понятно и нужно всем и которе потребляется коллективно, а не порознь. У совренного торгового центра есть все признаки адекватного такому искусству пространства. Это пространство находится у всех навиду, оно очень понятно, сюда может зайти любой, кто захочет. Мы уверены, что перенося сюда искусство - из его замкнутых и отчужденных от внешнего мира мест – мы делаем его более доступным каждому. Ведь в торговом центре нет той сложившейся в галереях атмосферы, когда кажется, что искусство может быть понято только посвященным, только тем, кто знает, куда надо идти и зачем. Расположенное рядом с привычным и повседневным миром вещей и покупок, искусство перестает смотреть свысока, оно становится соразмерным жизни современного человека.
Однако это совсем не означает, что искусство становится более простым, или тривиальным. Наоборот, степень его воздейсвия на окружающий мир сильно возрастает. Простым фактом каждодневного физического соприсутствия, произведение искусства начинает интенсивно участвовать в жизни каждого посетителя торгового центра - пускай даже тот сразу и не замечает, и не понимает этого. Есть абсолютная уверенность, что тот фон, который любое произведение искусства непроизвольно генерирует вокруг себя, незаметно формирует новый стандарт восприятия окружающего пространства, постепенно открывает новые горизонты опыта, становится привычным и необходимым явлением современной жизни.
Вместе с тем, нам кажется очевидным, что традиционные формы не могут быть просто так механически перенесены в новые пространства. Тот же самый традиционный театр требует специальной сцены, света, акустики, зала для зрителей, отгороженного от всего внешнего мира. Все это, естественно, несовмсетимо с пространством торгового центра. Для этого пространства нужны абсолютно новые и специфические формы искусства. И если у нас все получится, мы сможем придумать совершенно другое искусство.

О проекте: проект «Новая территория искусства» реализуется компанией Brainmade и торговым комплексом «Трамплин». Brainmade был создан Алексеем Булдаковым и Максимом Каракуловым - участниками художественной группы Радек, которая известна московской арт сцене своими работами, посвященными социальной и политической проблематике. Brainmade является необходимой и эффективной формой организации, способной реализовывать художественные проекты во всевозможных общественных средах, напрямую с территорией искусства не связанных.

Будущие планы: на весну 2004 года в пространстве торгового комплекса «Трамплин» намечено проведение большого фестиваля современного искусства. Куратор – Анатолий Осмоловский. До этого времени планируется так же целый ряд художественных мероприятий.

<<MICA (Maryland Institute College of Art), Baltimore, MD. Факультет Фотографии.
Специализация - Interactive Media Photography History.
Преподавательский контракт: первый 2-х летний , затем возможен на 3-5 лет.
Чему учить?: создание 2D и 3D интерфейсов, программирование для интернет-приложений.
Требуемая квалификация: не ниже степени MFA, три года преподавательского стажа (уровень колледжа).
Факультету Истории искусств требуется  профессор (PhD минимум). Преподавание истории искусств с 1 сентября 2003.
Все подробности на сайте http://www.mica.edu 

Открытие 10 сентября. Галерея Манеж.
Выставку Александра Соколова - известного мэтра - скульптора  и Натальи Ситниковой - молодой художницы объединила общая тема - искусство ХХ века. Ирония скульптур Соколова и горячая рефлексия живописных полотен Ситниковой - создало удивительную атмосферу этой экспозиции.
Александр Соколов не только скульптор в традиционном понимании. Он изобретатель невероятных объектов и машин, имитатор и преемник Леонардо Да Винчи.
Среди его скульптур - различные движущиеся механизмы -машины-демонстраторы: "Демонстратор переменчивости судьбы",  в котором движутся в разные стороны векторы и флюгера, Машина счастья,  Машина услаждающих звуков и многое другое. В новой серии работ Соколова "Европортрет" причудливо сочетаются исторические детали и постмодернистская машинерия и мистификация. Все работы посвящены прощанию с героями искусства ХХ века.
Колоссы мирового искусства работы которых стали знаковыми - предмет откровенной, даже демонстративной компиляции Соколова.
Так  портреты г-жи М.Б (фрагменты работ Миро, Бранкуси), Г-на М.Г (Мур, Габо), химерически соединяются рукой Соколова в остроумный  образ искусства ХХ столетья. Портреты "Трех сестер" - театрально-художественная игра и в русскую литературу - сестры (Анна Каренина, Фаина Раневская, Мария Магдалина) Трансформируя в своем творчестве темы дадаизма, американского поп-арта и русского соц-арта, обращаясь к архаике и постмодернистским традициям, Соколов демонстрирует пребывание во всех временах сразу, объединяет культурную память и интуицию.
Наталья Ситникова - молодая художница, последователь идей абстракции ХХ века и одна из самых молодых участниц большой выставки Русского музея "Искусство абстракции". На ее счету также несколько персональных выставок, в том  числе в том же Русском музее. Абстрактные холсты Н.Ситниковой - подлинные поэтические картины- свидетельства духовных коллизий нашего времени, переживаемых в эстетическом пространстве, объединившием русских художников всего ХХ века, начиная от Кандинского, Ларионова, включая наших "шестидесятников". Структура ее живописных  холстов восходит к кубофутуризму "амазонок русского авангарда"  Н.Удальцовой, Л.Поповой, А.Экстер. Работая угловатыми динамичными формами, Н. Ситникова одновременно стремится к их полнокровному живописно-колористическому насыщению.

УБЕЖИЩЕ
(REFUGIUM)
Авторский проект Игоря Захарова-Росс (Кельн, Германия)
Аптекарский Приказ
20 июня - 20 июля 
Выставочный проект организуется как динамичный процесс, включённый в давно разрабатываемый мною концепт "Синтопической Пластики" (Syntopie Plastik*), предполагающий создание промежуточного поля как открытой связи. В рамках московского проекта предусматривается использование различных форм коммуникации - дискуссия, доклад, создание компьютерного фильма с параллельным звукорядом. В экспозицию интегрируется также фотография, живопись, объект. Планируется издание сборника и проведение конференции со специалистами из различных сфер общества (искусство, наука, экономика)** на тему "Убежище".  В Москве будут представлены зеркала, выполненные из массивных блоков графита. Вы можете едва ли различить в них себя. Нарцисс теряется в отражении, лишь смутно проглядывающем из нутра блестящей серой поверхности. Что бы ни говорил Лакан о "le stade du miroir", зеркало - это, прежде всего, то первое место самосохранения, которое ребенок находит, когда остаётся один на один со своим окружением, где его нет. В нашем расплывающемся, исчезающем графитном облике вы раскрываете всю пустоту когда-то испытанной инфантильной радости по поводу спасения в зеркале. Или той, что позднее охватывала вас, когда, взявшись за карандаш, вы уповали на то, что увековечите себя в письме, в рисунке. Где ещё можно сберечь себя, кроме бегства в зеркало? Человек не довольствуется вырабатываемым им представлением о воздаянии в параллельной вселенной, своей позицией эмигранта из космоса. Он хочет спасительного потустороннего здесь и сейчас, дифференциации от среды своего непосредственного обитания. Этим иным пространством становится любое изолированное и труднодоступное: пустыня для раннехристианских отшельников; глухая чащоба для исихастов, в одиночку приобщавшихся Божией энергии, и для старообрядцев, не желавших прикасаться к испорченному реформами миру; горы для Ницше и Хайдеггера, Яснополянское имение для Льва Толстого, жилище для любого из нас. Смысл дома в том, что в нём, как и в любом другом из перечисленных и неупомянутых убежищ, можно спрятаться от социальности, не вступая с ней в революционную конфронтацию. Почему нас пугает общественная жизнь, из которой нам хочется удалиться в наш приватный уголок? Потому что она безжалостно требует жертвоприношений: отдачи если не нашего тела на заклание или части нашего заработка на поддержание государства, то во всяком случае нашей личной свободы, уступаемой нормам социального поведения.
Концепция синтопии и связанного с нею преодоления жесткой пространственной закреплённости знания обязана своим появлением данным и заключениям современной науки о деятельности мозга. Любая система знания имеет свое обоснование с точки зрения деятельности мозга, что можно пояснить на примерах. Однако эти системы знания связаны друг с другом, что способствует формированию комплексного опыта. Сам собою напрашивается вывод, что современная наука, изучающая деятельность мозга, может использоваться в качестве метафоры преодоления границ "частичных культур". Кажется, будто в конкретный момент наше мышление определяется той или иной "частичной культурой", самостоятельной и независимой (например, искусством, наукой, экономикой), а фазы истории осмысливаются нами как единичные события, значение которых для современности часто оценивается весьма высоко. Концепция синтопии соединяет образы мышления, характерные для различных пространств или различных эпох; местоположение в пространстве учитывать необходимо, однако оно проявляет себя лишь в своих связях с другими точками пространства. 
*Синтопическая Пластика как пространственный коллаж открыта для преобразования, реконструкции и изменения наблюдателем. Она находится в постоянном становлении и непрерывном движении. Ни одна из её составляющих частей не доминирует. Коллаж не знает иерархии, он операционально выступает против тоталитарного мышления. "Внутренний коллаж" образует СИСТЕМУ / СИНТОПИЮ, где идеи и цитаты комбинируются друг с другом в замкнутый цикл, в RECYCLING, постоянно дополняются и объединяются НОВЫМИ ОТНОШЕНИЯМИ. СИНТОПИЧЕСКАЯ ПЛАСТИКА развивается в ПРОМЕЖУТОЧНОМ ПОЛЕ как открытая связь и может возникнуть везде, еде из энергии межчеловеческого потенциала вырастает необходимость освободиться от привычного образца поведения, HABITUS.  **Участники конференции и авторы сборника; И.Н. Смирнов, Университет г. Констанц, Германия; К. Кестер, публицист, Берлин; О. В. Киреев, публицист, Москва; Л.Б. Брусиловская, Университет РАО, Москва; И.В. Кондаков., Университет РАО, Москва; К. М, Климов, Удмуртский государственный Университет, Ижевск; Л.С. Христолюбива, Удмуртский государственный Университет, Ижевск; С. Шахадат, Университет г. Кохум, Германия; Э. Пёппелц, Университет г, Мюнхен, Германия; М, Берг, литературовед, Ст. Петербург; Я. Халкров, театральный режисер, Кельн; В. Подорога, Университет РАО, Москва; О. Аранзон Университет РАО, Москва; Н. Петровская, Университет РАО, Москва; Д. Соколов, художник, куратор, Москва-Берлин; X. Стрелов, Университет Франкфурт на Майне; Б. Савчук, Университет Ст.- Петербург и другие. 
Игорь Захаров-Росс

^  24 - 26 июля 2003 г. (четверг, пятница и суббота) с 11:00 до 20:00 в МАРХИ (Московский архитектурный институт), по адресу: ул. Рождественка, дом 11 (м. Кузнецкий мост) 
ПРОЕКТИРОВАНИЕ СОВРЕМЕННОГО ИНТЕРЬЕРА: КВАРТИРА.
Мастер-класс профессора Уткина М.Ф.

Каждый участник семинара будет создавать свой конкретный проект, применяя новые знания и навыки на практике уже в ходе мастер-класса. И это хорошая возможность отработать реальный проект под руководством Мастера.


СЕМИНАР-ТРЕНИНГ ПРЕДНАЗНАЧЕН ДЛЯ:

• профессиональных дизайнеров, работающих со средой и интерьерами;
• профессиональных дизайнеров, работающих в других сферах и желающих расширить свои профессиональные возможности и навыки для комплексного обслуживания своих клиентов;
• руководителей, консультантов и продавцов интерьерных салонов и магазинов;
• менеджеров дизайн-студий для получения необходимых профессиональных знаний и навыков при работе с клиентами и общении с коллегами.

• Оценка пространственно-планировочной структуры жилища.
• Навыки пространственного мышления и рациональной организации любого интерьера.
• Главные и второстепенные акценты и детали, планировочные узлы и композиционные оси.
• Точная формулировка дизайн-концепции организации дизайна интерьера.
• Пространственно-планировочный анализ исходной ситуации.
• Анализ жестикулярно-двигательной ситуации и выявление зон наиболее активного визуального восприятия.
• "Правильная" организация цветовой среды различных функциональных зон квартиры.
• Стилевые направления современного дизайна.
• "Идеальный" интерьер - мир духовного, интеллектуального и физического комфорта.

На семинаре Вы научитесь делать лучше то, что Вы уже знали, а также овладеете тем, что Вам не было известно. Вы получите информацию, которую все мы должны иметь в начале нашей профессиональной деятельности, но она не была нам ранее предоставлена. Теперь Вы сможете овладеть этой информацией и соответствующими умениями, которые в значительной степени усилят Ваш профессионализм и успешность.

Семинар будет проходить 24 - 26 июля 2003 г. (четверг, пятница и суббота) с 11:00 до 20:00 в МАРХИ (Московский архитектурный институт), по адресу: ул. Рождественка, дом 11 (м. Кузнецкий мост).

Подробности на www.psydesign.ru

Выставка “Школа” проходит в рамках проекта “Архивации современности”, продолжая эксперимент по извлечению из культурных слоёв последней четверти двадцатого столетия искусства актуальных московских художников. К сожалению, в аксиономичности крылатого выражения “Ars Longa, Vita Brevis” приходится усомниться. Истлело если не всё, то многое, и не всё из оставшегося заключает в себе статус произведения искусства.
Семь предыдущих выставок были преимущественно живописными, что объяснялось стремлением реанимировать если не живопись как таковую, то хотя бы интерес к ней. Резонируя подобного рода движениям по реанимации–реабилитации забытого материала, возникла идея расширить кругозор проекта и показать студенческие рисунки-штудии художников, чьи имена в достаточной степени определяют сегодняшнюю картину столичного искусства. Эксперимент по заигрыванию с прошлым вызвал вполне объяснимое желание копнуть глубже в “доисторию” современности, в “слои”, превосходящие границы локальной техники, коей является живопись и границы локальной темы, темы авторской идентификации. Кстати, выставка “Школа” – первая принципиально не авторская, а групповая экспозиция проекта.
Соблазн из области архива перейти в археологию, генофонду современности вызвал интерес к временам, когда нынешнее “всё” московского искусства было практически “ничем”, когда кипы замусоленных натурных многочасовых рисунков, образцов протоискусства унифицировали его создателей до уровня единой (при всех нюансах) школы или художественного цеха. Именно этот исторический реликт обнаружил в себе креативный ген, смодерированный последующей самоинжинерией в то, что мы видим сегодня – в устоявшийся авторский “копирайт”, стилистический бренд.
Логика и механизмы рынка вообще, и арт рынка - в частности, откалиброванны для работы с брендом. Его отсутствие равноценно отсутствию автора в контексте рынка. Иное дело - школа, система замкнутая на себе самой, на своей декларативной избранности, идентифицирующая автора исключительно по фамилии в зачётке, строго согласованной с аналогичной в паспорте. Собственно, авторство с точки зрения подлинности произведения здесь остаётся категорией относительной ввиду прямой зависимости студента от школьно-цеховой системы, где авторство, как, впрочем, и мастерство исполнения коллективной программы в большинстве случаев номинально.
Если говорить о школе как, о “доисторическом” времени, или вневременной системе принципиально деактуализированной, на память лезут тезисы-оговорки продвинутых столичных кураторов, что де в истории искусств были таки зависания во времени, некие исторические пустоты невостребованности (“Сказка о потерянном времени”). Вероятно, речь шла о невнятности соц. заказа или неадекватности в его исполнении. По аналогии с историческим возрастом “искусства вообще” (в понимании человека глоба-антиглобалистической формации) вероятно и существуют периоды неактуальные, по крайней мере не вызывающие достойной рефлексии серьёзного искусства, что можно сопоставить с периодом ученичества, то есть неготовностью самого автора словить момент. Едва ли кто из студентов-рисовальщиков задумывался об актуальности многочасовых штудий в контексте мировой арт-индустрии, да и баланс между “что” и “как” в те годы практически безальтернативно клонился в сторону последнего. Значение штудии определялось условиями системы, а потенциал студенческого рисунка, в лучшем случае, определялся местом в плохо проветриваемом методическом фонде или использовался как фальсификат чужих способностей на просмотровых комиссиях в художественных вузах.
Но, благодаря спекулятивности рынка в совокупности с виртуозно слепленной спекуляцией на тему “что есть искусство?”, подобный материал всплывает в самом неожиданном для себя контексте. Сама природа бренда, его выверенная конъюнктура снимает комплекс неполноценности с “продукта”, наделяя его статусом произведения искусства. Правомерность здесь абсолютная, испытанная временем. Едва ли кто усомнится в достоинстве и безусловной востребованности академических штудий Кандинского (к примеру). И не окажется ли студенческий рисунок неожиданным прототипом крайне актуальной ныне нонспектакулярности, с той разницей, что, в отличие от адептов модного направления, он заключает в себе недостающую им аутентичность жеста?
Таким образом, отвлечённая и практически неклассифицируемая сегодня школа нивелируется конкретной прагматикой рынка, его природной всеядностью. По аналогии с классиками прошлого, “водяные знаки” раскрученного авторского бренда, проступая сквозь ватман ученичества восполняют недостающий статус произведения искусства, вводя его в оборот реальной арт-индустрии, с соответствующей его конъюнктуре ценой.
Александр Петровичев

email: Пластинин Юрий